古代中国画，一个重要特征是什么？
中国有几千年美术史，不同时期的国画在特征上不尽相同，是人们的审美情趣的自然流露。
中国画诞生的时间非常早，差不多从新石器时代就开始出现，距今至少已有7000多年历史。
6000多年前生活在今天西安东郊的半坡人，就已经拥有了较高的美术修养，他们会用天然彩色矿石，在陶器胚胎上画出花鸟鱼虫的图案，然后进行烧制，最终得到既有实用价值又有艺术价值的工具。
半坡人的彩陶图案，特点以拙朴、自然为主，有一种不加修饰的原始美，可以看作是中国远古时期非常有代表性的原始绘画。
真正意义上的中国出现在距今2000多年前的春秋战国时期，是因为毛笔被发明出来，人们画画时更加方便，创作效率大大提升。
春秋战国时期的绘画，大多画在绫罗绸缎等丝织品上，俗称“帛画”，只有贵族才有实力去画画。帛画的特征以“线描”为主，先用线条勾勒出物象的造型后，再在线条内部填色，跟画连环画的画法比较相似。填色时多用“平涂法”，把颜色均匀地平涂在物象造型内。
东汉初期，蔡伦改进“造纸术”后，中国画的绘画材质又一次发生了天翻地覆的变化。纸张比起丝织品有许多优势，价格优势无疑是最受大众青睐的。
不过，此时的书画纸张以“黄麻纸”为主，黄麻纸的特性接近宣纸，但表面比较粗糙，在上面写写画画时有一种滞涩感。写书法时影响不太大，画画时就不好用。所以，从东汉到三国两晋南北朝这400多年时间里，中国画的发展相当缓慢，倒是书法发展得比较迅猛，出现了张芝、钟繇、王羲之、王献之等许多书法巨匠。
另一方面，黄麻纸的寿命只有150多年，即使当时有绘画作品流传下来，也因为纸张的自然消解而看不到了。
大约在隋朝末年到唐朝初年，经过一代代工匠对纸张不断改进，终于发明出质地柔韧、洁白细腻的宣纸，宣纸这些特性非常适合在上边写字、画画，极大地促进了书画艺术的发展。
关于宣纸作画的最早的文字记载，出现在唐朝末期的书画评论家张彦远的著作《历代名画录》里，写道：好事家宜置宣纸百幅，用法腊之，以备摹写。
这句话说明在唐代中后期，文人们储存宣纸，用宣纸作画已经非常普遍。
唐朝中前期到隋朝，人们在丝织品、纸张上作画的情形都有，出现了展子虔、吴道子、李思训、阎立本、曹霸、韩干、韩滉、张萱、周昉等许多绘画巨匠，把中国画推向了第一座高峰。
隋唐时期的中国画表现出两个鲜明的特征。
其一，造型以写实为主。
其二，设色鲜艳、细腻、华丽。
隋唐时期，不论是山水画、花鸟画，还是鞍马画，抑或是风俗画、界画，在造型上严格按照物象的比例来画，写实性非常高，比如，韩干的《牧马图》，韩滉的《五牛图》，张萱的《武后行从图》，李思训的《江帆楼阁图》，等等，都是如此。
在设色上，画家们既细心又大胆，给观者一种富丽堂皇的气场。细心是因为设色时一丝不苟，用细腻的笔法一点点描上去。大胆是因为喜欢使用艳丽的色彩，如，红色、橙色、紫色，充分发挥色彩的艺术冲击力。
唐代绘画之所以看起来富丽堂皇、雍容华贵，跟自信包容、积极向上、开拓进取的“大唐气象”有很大关系。
唐代的这种绘画特征是宫廷（院体）画家和民间画师共同撑起的。
至宋代，“文人画”逐渐发展起来，文人画的最主要特征是：追求神似，忽略形似，弱化色彩，以书法用笔入画，重视笔情墨趣的发挥，倡导画家用笔墨来抒发情感，表达心中意趣和志气，跟院体画与民间画完全是不同的绘画体系。
经过苏轼、文同、黄庭坚、米芾等颇具影响力的文人的推广，文人画在北宋末年迅速发展起来，很快超越院体画和民间画，成为中国画的主流。
之后的元、明、清，画家们在创作中一直延续文人画的特征，并熔古铸今，诞生了诸如赵子昂、王蒙、黄公望、倪瓒、文征明、徐渭、石涛、八大山人、金农、郑板桥、吴昌硕等国画大师，为中国美术史书写了辉煌的篇章。
中国画不一定固定在绘画的立足点上，也不受固定视域的限制。它可以根据画家的感受和需要，使绘画的立足点移动，把所有看得见的和看不见的风景吸收到自己的画面中。这种透视方法称为散点透视或多点透视。比如我们熟知的北宋名画，张择端的《清明上河图》，就采用了散点透视。《清明上河图》反映了北宋都城内外丰富复杂的场景。它以汴河为中心，从遥远的乡村画境到热闹的“虹桥”；观者既能看到城市，也能看到乡村；你可以看到桥上的行人和桥下的船只。
你不仅可以看到附近梯田上的树木，还可以看到远处深邃的街道、河流和港口。而且不管看哪一段，风景的比例都差不多。如果按照西洋画为主的方法画，很多地方根本画不出来。这是中国古代画家根据内容和艺术表现的需要而创造的一种独特的透视方法。就笔墨而言，是中国画造型的重要组成部分。用笔强调粗细、急促、顿挫、转折、方圆等变化，从而表现物体的质感。一般来说，启动和停止笔时都需要用力。
手腕要牢固，中气不可断，笔不可轻挑。用笔的时候，轻轻一用就会浮起来；如果你大量使用，会很尴尬；如果运气不好，就会滑倒；如果你部分使用它，它会很薄；如果你使用它，它将是平的。像弓一样弯，像尺一样直，就是用笔。古人用十字线条总结了18笔，可以说是中国画用笔的经验总结。在用墨方面，要强调烤、揉、点、染的相互作用，合理地干、湿、浓、淡混合塑造造型，烘培染大气。
总的来说，中国画用墨之美，在于整体的浓淡无灵，但一定要有浓淡，浓的部分一定要精彩而不滞，淡的部分一定要灵动而不晦气。使用墨水就像使用颜色。古代有墨分五色的经历，也有惜墨如金的画风。有了墨，就要有强烈的谈相互融合，这样浓中有光，淡中有浓；增厚应该是最强的，其次才是最强的，而轻盈应该稍微谈一谈，轻一点。这些都是中国画用笔的灵活方法。因为中国书画在工具和运笔方面有很多共同点，有着千丝万缕的联系，古人早就说过“书画同源”。
