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对钢琴艺术的理解

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Answer 1

　　钢琴，这件从十八世纪以来有着几百年历史的“乐器之王”，在它的发展历史上诞生了多少著名的音乐家、演奏家、作曲家、教育家，也许你能说出一大串他们的名字和故事：巴赫、莫扎特、车尔尼、贝多芬、肖邦、德彪西等等,但是，它总是离人们那么遥远,神秘和高不可攀。笔者从小学习钢琴，在此想略谈一下自己对钢琴演奏方面的几点看法。
　　一、钢琴弹奏的技术问题
　　钢琴弹奏的技术主要是指：人的肢体经过训练后所具备的在钢琴上弹奏出构成乐曲乐音的能力。能力，可概括为局部的灵敏、灵活、独立、力量、速度、反应以及对所有这些方面的控制自如。整体上，则是完美地协调、配合的关系。技术的要求甚多，如触键、指法、踏板……要想成为好的钢琴家，首先要做到的是十个手指能够干净利索、坚挺有力地在钢琴上飞驰，十指乃演奏钢琴最直接最敏感的部位。因此，十指的力量、灵敏、速度，以及千变万化的触健方式和控制能力，是基础的基础。
　　触键是表达钢琴音乐极其重要的课题之一。触键的不同，会引起音色和音量的千变万化。触健的手法是多种多样的。有用单指、多指，甚至用整个拳头来弹奏的；还有由无声按键到发出多种不同力度的声音……等等。触键有垂直触键与水平触键，可称做手指动作的“阴、阳两法”。垂直触键为阳，为刚，以发力之结实、直接、迅捷、有力为根本。水平触键为阴，为柔，以触键之轻滑、推摸、水平柔美为要领。
　　另外，触键还有三种基本的方式：连音、非连音和跳音。触键速度的快慢与这三种基本触键有着密切的关系。弹连音时一般触键最慢，如肖邦的e大调练习曲，曲子的表情记号注有“legato”,要采用连音的触键法，手指触键的速度比较慢。弹非连音时速度就要快一点，如贝多芬的《热情》奏鸣曲的第三乐章的最后变奏，要求手指的触键速度要很快，力度集中在手指尖，要弹出漂亮的非连音来。弹跳音时速度是最快的，如维拉·罗伯斯的《小丑》，要轻巧的弹出调皮、滑稽的情绪。不同的触键法奏出来的音色和音量都是不同的。在钢琴作品中，有不少乐曲除了主题之外，还蕴藏着次要的旋律。演奏者要首先正确地掌握和运用不同的触键法，才能奏出乐曲中所需要的不同的音色，使乐曲的层次分明，风格突出。
　　音乐是声音的艺术，要把钢琴这种没有文字的声音艺术语言化，让听众觉得生动易懂，就必须在触键上狠下功夫。音色和音量的种种变化，犹如朗诵诗歌时的抑、扬、顿、挫，它能恰如其分地抒发和传递各种不同的思想感情，同时还可以起到文字所无法描述，但令人回味无穷的效果。弹奏技术占有关键性、提前性的地位。没有技术，音乐内容的表现只是一句空话。但钢琴演奏中技术的运用必须服从于音乐作品的风格和思想内容的需要，学习技术是为了更好地表现音乐。
　　二、对钢琴音乐风格特点的把握
　　只要是音乐，它就有风格。
　　钢琴艺术发展史从某种意义上说就是世界音乐发展史的缩影。从钢琴艺术发展的过程入手，即可通向对整个音乐思维发展的了解。透彻掌握钢琴艺术发展的历史，各种风格的创作特征，各个作曲家的思维方式，可最直接地领会到音乐的本质。按当前被普遍接受的西方音乐史的划分，钢琴艺术的发展经历了：巴洛克风格时期、维也纳古典风格时期、浪漫主义风格时期、印象主义风格时期，20世纪现代音乐风格时期。某位作曲家的作品被定位在某个时代的某种风格中是有一定根据的，因为我们总是可以或多或少地从每一部作品中看到某种风格经典化了的特征，也就是风格中的“精髓”。比如：平衡、典雅、自然是古典风格的精髓；而浪漫风格则注重色彩，并含有许多主观情感因素。对于演奏者而言，掌握不同时期、不同风格的作品，需要相应地作出不同处理。
　　复调性是巴洛克钢琴音乐的重要特点，尽管每位作曲家复调性的程度不同，但不论演奏巴洛克时期哪一位作曲家的作品，严格的复调训练都是基础的基础。复调音乐由几个并行不悖的线条构成，一般不分主次。即使有突出，也仍保持几个声部的独立进行。在大多数巴赫的作品中，自由声部中暗藏着富有情感化的乐句。不容置疑，主题是集中的，凝练的，在短小精巧的乐句中包藏着最丰富的对比与信息量。因此，在演奏巴洛克风格的作品，尤其是巴赫的作品时，不宜孤立的强调其中某一个因素。而要致力于尽可能地解释每一个细节中有意义的方面。在他的作品中，除极少例外，巴赫几乎不在手稿上注明乐曲的速度、力度、表情等等记号。演奏家由此获得极大的自由，允许在总体风格的范畴内，作出种种创造性的解释。总之，演奏巴洛克音乐，应当树立起“使每个音符、每个线条都歌唱”的基本概念。要使每个声音典雅高贵，置于小心的控制之下；又使每个声音清晰连贯，纳入延绵的呼吸之中。
　　而弹奏古典时期海顿、莫扎特的作品时，个人感情应稍微收敛，触键以清新细腻为主，音乐充溢着健康、明快、幽默、热情和乐观的气氛；音乐语言通俗易懂，朴素亲切，不乏深邃的感情，力求营造一种彬彬有礼又不张扬的整体效果就十分符合人们对古典音乐的欣赏习惯。正像莫扎特1781年9月给他父亲的信中所说：“因为感情——无论是否激烈——永远不可以令人厌恶的方式表现，所以即使在最惊心动魄的场面中，音乐也永远不能引起耳朵的反感，而仍应当令人入迷，换句话说，要始终成为音乐。”这就是莫扎特的音乐。
　　浪漫主义时期的音乐家们，更多地挖掘和发挥音乐更多方面的表现性能，在形式上无拘无束，从题材到具体表现手法都有革新。在曲调、节奏、和声等方面，都对古典主义音乐作了突破性发展。在旋律上，更富于歌唱性和抒情性，认为优美的长串旋律线条，比主题合乎逻辑的严格发展更重要。浪漫主义音乐带有强烈主观倾向的情感主义，所推崇的是个人情感最大限度的释放，所以作品更注重表情变化，因而大量使用术语，例如：pastorale（田园的），furioso（狂怒的），garbato（优美的）,nobile（高贵的）等等。在这一时期，诞生了众多伟大的音乐家，德国作曲家门德尔松和舒曼是浪漫时期的中心人物。门德尔松开辟独立的标题性交响曲的天地，创立了《无词歌》的形式，这是浪漫主义标题性、歌曲性器乐小品的代表作。舒曼的音乐语言比较主观，富有诗意和抒情性，虽具有随意性，但结构工整，节奏和织体的处理大胆而新颖。在他的作品中，一切都化成了纯粹的情感，没有任何装饰布景，这些决定了他的音乐创作风格以及音乐评论中的情感美学特征。人们称舒曼是“诗人音乐家”。
　　三、钢琴家所应具备的素质
　　成为一名真正的钢琴演奏家所要具备什么样的素质呢？这确是一个难以回答的复杂的问题。中国著名钢琴家傅聪的父亲在临别前曾赠给他四句话：第一、做人；第二、做艺术家；第三、做音乐家；最后才是做钢琴家。可以看得出，要想拥有好的音乐，首先心灵要纯净，做有爱心的人，拥有良好的修养和素质，是演奏一切音乐的前提。
　　赵晓声先生在《钢琴演奏之道》中提到一位钢琴家必须具备：1、“运动员”的素质，也就是速度、灵敏、力量与持久。2、“诗人”的气质、灵感、想象、梦幻。这些都是发自与内心深处的、自我血肉的一部分。一个真正的钢琴家，他所必须掌握的不仅仅是高超的技术，更主要的是他对音乐的理解和演示，而这就来自于对哲学、美术，文学，历史，戏剧等各种知识的积累和修养的凝聚。3、“建筑师”的形态、层次、线条、色彩。4、数与哲的抽象与升华。这些是赵先生对钢琴家所要具备的素质的最准确和最精辟的总结。
　　纵观古今中外享誉乐坛的钢琴演奏大师，无不自幼接受演技方面严格的训练，无不具有浓厚扎实的文学艺术修养。真正的美感是不分民族、不分国界的。笔者认为，以上提到的三点是在演奏艺术上最基本也是最重要的。只要我们给钢琴注入表情、注入生命，钢琴演奏艺术将会在世界艺术与文化的肥沃土壤中枝叶茂盛，果实累累。

Answer 2

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