什么是《蒙娜丽莎》？
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本 文 主要从《蒙娜丽莎》的艺术特征的角度来叙述，大致内容包括人物背景、创作背景、创作手法、传达意义等。
人物背景
达·芬奇生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国。其父为律师兼公证人，母为农妇，他15岁来到佛罗伦萨，学艺于韦罗基奥的作坊。1472年入画家行会。70年代中期个人风格已趋成熟。1482--1499年间进行了广泛的艺术和科学活动。
他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学。最突出的特点就是科学性的表现，渗透到细致入微的绘画风格上。达·芬奇的画中，他将两者融为一体，它们是完整的结构整体，他的画中，充分表现着和谐的比例和各个形象之间的平衡感。如众所周知的黄金分割。
创作背景
1
《蒙娜丽莎》是文艺复兴的产物，把文艺复兴放在历史长河中来解析一下。
在文艺复兴出现之前，欧洲处在持续了500年左右的中世纪，要读懂文艺复兴，我们就一定要了解中世纪和罗马时期。
罗马时期是罗马帝国的辉煌，当时的领土包含了如今大部分的欧洲，北非还有中东。也就是说如今这几十个国家当初都是一个国家。
罗马帝国的地图
地中海以北是欧洲，从西边的西班牙一直到东边的亚米莉亚，地中海以南的是非洲，北非都是罗马帝国的领土。
不仅国力强大，艺术上建筑的造诣也是空前绝后。
斗兽场
万神殿
说完了辉煌我们来讲一讲败落，罗马帝国衰落，欧洲分裂，进入了长达5个世纪的中世纪。这五个世纪以来，欧洲经历了黑瘟疫，将近三分之一的人口死亡。经济停滞不前，科技停滞不前，艺术也停滞不前，所以中世纪又被叫做“黑暗世纪”。
哥特风格是高耸、阴森、诡异、神秘、恐怖...
2
人们为了摆脱这种“停滞不前”的状态，开始了文艺复兴，同时文艺复兴是中世纪以来艺术最大的创新。在文艺复兴的早期，绘画遇到一些难题，由原来中世纪的二维的写实风格到文艺复兴三维的写实风格转变，艺术家们开始用照眼睛看到的景象来作画，那么构图和色彩就变得困难。
所以达·芬奇在创作《蒙娜丽莎》的时候为了克服这一难题，发明了sfumato晕涂法，指“没有线条和边界,就像烟雾一般”的绘画技术（简单地说,“晕涂法”就是使用涂层叠加的方式创作,作品中的人物和景色往往看似笼罩着一层轻烟,呈现出一种柔和、朦胧的美感）。除了达·芬奇之外,这种技法还被文艺复兴时期的许多画家所广泛采用。
晕涂法
《蒙娜丽莎》，《美丽公主》均采用了晕涂法
文艺复兴绘画中出现的换色法（Cangiante）、明暗对照法（Chiaroscuro）、晕涂法（Sfumato）和统合法（Unione）,这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传，比如意大利文艺复兴盛期三杰在世时，米开朗基罗的绘画作品中常常采用Cangiante；乔瓦尼·贝利尼绘画作品中采用的是明暗对照法；达·芬奇喜欢使用Sfumato；而拉斐尔作为绘画史上的集大成者，在掌握了以上所有的绘画技法后，创造出了Unione，也是文艺复兴时期的绘画从早期的不成熟发展至顶峰的见证者。
米开朗基罗《先知丹尼尔》
乔瓦尼·贝利尼《圣约伯教堂装饰屏》
达·芬奇《蒙娜丽莎》
拉斐尔《椅中圣母》
3
《蒙娜丽莎》这幅画画的是佛罗伦萨一皮货商的妻子，画家画她的时候，她才二十四岁，这位妇女刚失去了自己心爱的女儿，常常悲哀抑郁。画家在画她的肖像时，为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师给她奏乐唱歌，或说笑话，让欢快的气氛帮助她展现笑容。画上的蒙娜丽莎呈现的笑容虽是微弱的，但却是发自内心的。而那个定格的笑，稍翘起的嘴角和舒展的笑肌，可以让人微微感觉到这位妇人在被画的时刻的心情。
同时有研究者发现，达·芬奇所有的绘画和肖像人物的脸上都出现了同样的面部表情，比如另外一幅《圣安娜与圣母子》，抱着小玛利亚的圣安娜脸上也有这样的微笑。
《圣安娜与圣母子》
据佛洛依德的《达·芬奇童年的记忆》达·芬奇当时没有把它交给订货人，推脱自己还没有画完，一直随身携带。直到这幅画后来被达·芬奇的保护人得到，然后送到卢浮宫，达·芬奇从来没有承认他已经画完最后一笔。即便尚未完成，但足以让后人感慨它的登峰造极之境，实际上，由于时间的磨洗，当年达·芬奇留在画布上的所有细腻之处，如今早已荡然无存。
从多方面简析《蒙娜丽莎》（技法、构图、色彩、人物表情等）及背后传达的意义
1
首先画板是达·芬奇自制的，在白杨木板上刷了石膏，再经过胶类的处理，风干后再画的，不是布也不是纸。
其次达·芬奇是意大利的画家，佛罗伦萨画派的，这个画派有着非常优秀的木板蛋彩画传统，他不可能不受影响。蛋彩画是蛋黄或蛋清的调和颜料，是一种古老的绘画技法，大多画在敷有石膏表面的画板上。盛行于14～16世纪欧洲文艺复兴时代，艺复兴时代曾获得辉煌成就，到16世纪后，逐渐被油画取代。所以从《蒙娜丽莎》所处的时代来看，可能也有油画颜料的影子。因为从画面中可见含油的色层是比较明显，蛋彩痕迹不重，但不排除使用在底色层。
蒙娜丽莎背后的天空使用了价值每公斤2000美金的青金石作画的，而蒙娜丽莎身上没有一个珠宝，所以天空才看起来这么神秘，也暗喻了画本身的价值原来就是昂贵的。
最后，达·芬奇所使用的晕涂法（Sfumato）从2004年起经过6年时间被欧洲同步辐射设施组织（European synchrotron radiation facility）和卢浮宫的研究团队使用X射线萤光光谱测定法（Spectrométrie de fluorescence des rayons X）得以解密。他们在2010年的总结报告中指出，达·芬奇虽然在不同的作品中，运用了并不完全相同的画法及大量的色层，但每一个色层都画得相当薄。从开始的薄底色、中间的塑造层，直到高层的数十层透明色罩染，每一层的厚度在色层干燥后都薄到只能用微米来计算。
画作共享了40层极纤薄的油彩，每层厚度仅2微米(头发厚度的1/50)。
同时，这种由多层罩染技法处理过的某些轮廓的模糊状态，有效地克服了绘画中焦点透视法（Perspective conique）里单视点的弊端。因为人有左右两只眼睛，所以在现实中人看到的东西不会完全和单镜头相机照出来的东西一致。照片往往给人一种平面感，是因为传统相机无法类比具备天然视角差的双眼，把看到的物像通过视神经综合反映到大脑后所产生的图像和空间感。所以对轮廓线某些部分的虚化，使画中人物切实地融入他们所在的空间，让画面更具有真实感——就像我们用两只眼睛看到的那样。这和中世纪画相比，人物有了像照镜子般的真实感受。比早期的写实风格相比多了一份生动，自然。
美国哈佛大学一名神经生物学家利文斯通认为，这不只是单纯的晕涂法，达·芬奇绘画时还试图“欺骗”人类的视觉，令欣赏者要从侧面观看，才能清楚看到“蒙娜丽莎”的笑容。
2
形象 ：资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象.
人物装束 ：发际线较高,额头较宽,没有眉毛，反映了当时的审美标准。（文艺复兴时西方世界女性的外在文化形象不仅包括身体的光滑柔润，还包括脸部的白净无瑕与对称，后者往往由细眉毛决定。所以在当时的女性让人将她们的眉毛修成一条直线。而如今随着时间的变迁， 眉毛由原来的细细的到如今看似没有眉毛。同样在达·芬奇的其他画作中，女性都是有眉毛的 ）。
构图 ：达・芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；
形体 ：造型比例准确，半身像，双手交叠在腹部。蒙娜·丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，给人印象深刻，展示了她的温柔，及身份和阶级地位。显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。这幅肖像画中的风景，广阔的自然风光衬托着夫人，向远方伸展去。但是这幅画中的风景绝不能被认为是现实存在的风景，必须懂得这一切只不过是从纯粹的装饰性作用的角度描绘的。
色彩饱和 ：深褐色为主色调（也有人认为是绿灰色带光泽的色调）。
色调整体过渡柔和，晕涂法在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。达•芬奇把眼角和嘴角这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。（利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应，他认为：蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。这里不作多余的论述）
首先这幅画不是以色彩取胜。而达·芬奇所使用的绘画技法，是把影调（偏于幽暗或“低沉”，首先是两绺长发暗沉沉地分列两边，其他如衣服、背景中的山山水水都是一种“半调子”，只有脸颊、胸双手还比较明亮.因此,整个画面调子给人的感受并不是单纯的“欢畅”）作为一种形式因素和表情因素，与线条等等一样既用以构成“美”的画面，也借以表现画家的情感。
艺术观念 ：现实主义的绘画观念，真实客观地表现现实生活的场景与人物的内心世界。
社会基本价值观 ：在一定程度上摆脱了中世纪教会和宗教思想的控制，强调人本主义的思想。
这样一幅不大的肖像画竟用去他四年的时间，这说明达·芬奇不是仅仅为了画好一个贵夫人的肖像，在艺术上有所追求的是他也表现了19世纪人的思想解放。
我们在欣赏这幅画作的时候，首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。
3
在受基督教禁欲主义控制的年代里，妇女的举止是要受到许多的约束的，最重要的是她也表现了19世纪人的思想解放、反对宗教。她们不能放肆地表现自己的欢乐与痛苦，不然，就是对上帝的“亵渎”，在一般上层妇女中，也不允许肆意地哭与笑。所以中世纪的肖像画，一般都被画得呆板、僵硬，面部毫无表情。
中世纪马萨乔肖像画
达·芬奇在人文主义思想影响下，开始为表现人的感情而费尽心机，为了画出蒙娜丽莎的真实形象。他还从解剖和生理学上理进行研究，探索隐藏在皮肤下的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反应过程。
列奥纳多·达·芬奇在1487年前后创作的世界著名素描《维特鲁威人》
油画比素描费时很多很多倍，达·芬奇研究人的表情也是很多个日夜，简简单单一张脸他画上了多处的细微变化，才能给人这样一种神秘的感觉。他种种的研究和创新都在艺术上史无前人，也使得蒙娜丽莎的微笑可以成为这个世界上最著名的画。
意大利作家安格洛·孔蒂试图解释过这个微笑，他说，这位夫人的微笑里有善良的征服欲，邪恶的本能，女性整体的遗传，诱惑人的能力，欺骗的魅力以及残酷的仁慈。在这位作家眼里，蒙娜丽莎的微笑非常复杂，涵盖女性的一切心里特质。这种解释也许是一己之见，有些观众也只是从微笑中看到了微笑，并没有看到其他被过度解读的心理活动，迄今为止，仍然是个谜。
不仅仅是这位作家眼中的蒙娜丽莎，我们再来看看其他人眼中的蒙娜丽莎。
杜尚 不仅给神秘的蒙娜丽莎加了胡子，更是起了这样的名字：《L.H.O.O.Q》意思是：蒙娜丽莎的屁股热烘烘。（蒙娜丽莎气的棺材盖压不住了）
萨尔瓦多·达利-《自恋的蒙娜丽莎》
意大利摄影师Marco Pece是一位乐高玩具的狂热粉丝，他用乐高玩具完美再现了蒙娜丽莎的微笑。
这幅山寨版“蒙娜丽莎”在日本高岛屋百货公司展出，由废弃火车票制作而成。
哥伦比亚画家Fernando Botero是当代著名的艺术家绘制了肥胖版的蒙娜丽莎。
艺术家Jim Hance创作了这幅古怪版的蒙娜丽莎，并把它取名为“蒙娜莉娅(Mona Leia)”
延伸阅读：
再来看另外一个被称为“东方的蒙娜丽莎的”雕像作品。
该雕像捏合的手印，叫做禅定印，表示平定自己的内心，进入到禅修的至高境界。坐佛的面部特征为双眼微闭，从容平静，嘴角有一丝若有若无的微笑，整个人的神情显得非常怡然自得，可以让人感觉到他脸上的笑容是那种发自内心的会然一笑，就好似陷入迷思并苦苦探寻之后的一个猛然顿悟，让他会心一笑，为自然而然由内心生出一种喜悦的感受，这种感受被称之为“禅悦”。这身坐佛像正是在表达进入禅悦的状态，佛的嘴角微微上翘，浮现出一种含蓄的发自内心的满足的微笑。而这座笑佛是很明确的笑的状态，能够保持不累和负担的感觉，是非常难得的，难度也更大。
很多人说莫高窟中洞窟的坐佛比达·芬奇要早上一百年，为什么把它称为东方的蒙娜丽莎？就连《蒙娜丽莎》也从之前少数精英观摩的对象，变成了普通大众的消遣品，网络上各式各样的、各种版本的《蒙娜丽莎》衍生作品几近泛滥。
仁者见仁，智者见智，无论是看官还是爱好者都各执己见，莫衷一是。重要的是这幅作品本身传导的价值，重要的是你赋予这幅作品的价值……
4
《蒙娜丽莎》的意义在于：她继承了古典主义庄重、典雅、均衡、稳定和富有理想化和理性化的行为规范。但是进一步突破了希腊古典主义艺术在人本质上的局限，为使后来的艺术走向现实，走向客观，走向更深层，更内在，更微妙的表现树立了楷模。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，《蒙娜丽莎》几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟，《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。
结语：
现代艺术经过百年的努力，将曾经只属于少数人的艺术题材，拉到了日常生活的图景当中，再将仅供贵族阶层赏玩的古典艺术作品，与日常用具相结合，把艺术重新带给了普罗大众。
杜尚说过一句话，“所谓名作是被人经常议论的那件事情”，但你并不是有机会做出一件老让人议论的事情。
比如说《蒙娜丽莎》，《蒙娜丽莎》那么有名，可是我不觉得《蒙娜丽莎》是全世界地位那么高的一幅画，达·芬奇本人比《蒙娜丽莎》好的画有好几幅。他画一个女孩子抱着一个老鼠还是个黄鼠狼（《抱银鼠的女子》），还有一个年轻的眼睛很大的音乐家（《音乐家肖像》），我觉得要比《蒙娜丽莎》画的好。可是他一切的画里面被议论最多的，不断被人提起的就是《蒙娜丽莎》。它被神化了，所以一幅画下面即便全是口水，说它的人太多了，这幅画就变得非常有名，为什么会这样我不知道。
人物背景
达·芬奇生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国。其父为律师兼公证人，母为农妇，他15岁来到佛罗伦萨，学艺于韦罗基奥的作坊。1472年入画家行会。70年代中期个人风格已趋成熟。1482--1499年间进行了广泛的艺术和科学活动。
他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学。最突出的特点就是科学性的表现，渗透到细致入微的绘画风格上。达·芬奇的画中，他将两者融为一体，它们是完整的结构整体，他的画中，充分表现着和谐的比例和各个形象之间的平衡感。如众所周知的黄金分割。
创作背景
1
《蒙娜丽莎》是文艺复兴的产物，把文艺复兴放在历史长河中来解析一下。
在文艺复兴出现之前，欧洲处在持续了500年左右的中世纪，要读懂文艺复兴，我们就一定要了解中世纪和罗马时期。
罗马时期是罗马帝国的辉煌，当时的领土包含了如今大部分的欧洲，北非还有中东。也就是说如今这几十个国家当初都是一个国家。
罗马帝国的地图
地中海以北是欧洲，从西边的西班牙一直到东边的亚米莉亚，地中海以南的是非洲，北非都是罗马帝国的领土。
不仅国力强大，艺术上建筑的造诣也是空前绝后。
斗兽场
万神殿
说完了辉煌我们来讲一讲败落，罗马帝国衰落，欧洲分裂，进入了长达5个世纪的中世纪。这五个世纪以来，欧洲经历了黑瘟疫，将近三分之一的人口死亡。经济停滞不前，科技停滞不前，艺术也停滞不前，所以中世纪又被叫做“黑暗世纪”。
哥特风格是高耸、阴森、诡异、神秘、恐怖...
2
人们为了摆脱这种“停滞不前”的状态，开始了文艺复兴，同时文艺复兴是中世纪以来艺术最大的创新。在文艺复兴的早期，绘画遇到一些难题，由原来中世纪的二维的写实风格到文艺复兴三维的写实风格转变，艺术家们开始用照眼睛看到的景象来作画，那么构图和色彩就变得困难。
所以达·芬奇在创作《蒙娜丽莎》的时候为了克服这一难题，发明了sfumato晕涂法，指“没有线条和边界,就像烟雾一般”的绘画技术（简单地说,“晕涂法”就是使用涂层叠加的方式创作,作品中的人物和景色往往看似笼罩着一层轻烟,呈现出一种柔和、朦胧的美感）。除了达·芬奇之外,这种技法还被文艺复兴时期的许多画家所广泛采用。
晕涂法
《蒙娜丽莎》，《美丽公主》均采用了晕涂法
文艺复兴绘画中出现的换色法（Cangiante）、明暗对照法（Chiaroscuro）、晕涂法（Sfumato）和统合法（Unione）,这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传，比如意大利文艺复兴盛期三杰在世时，米开朗基罗的绘画作品中常常采用Cangiante；乔瓦尼·贝利尼绘画作品中采用的是明暗对照法；达·芬奇喜欢使用Sfumato；而拉斐尔作为绘画史上的集大成者，在掌握了以上所有的绘画技法后，创造出了Unione，也是文艺复兴时期的绘画从早期的不成熟发展至顶峰的见证者。
米开朗基罗《先知丹尼尔》
乔瓦尼·贝利尼《圣约伯教堂装饰屏》
达·芬奇《蒙娜丽莎》
拉斐尔《椅中圣母》
3
《蒙娜丽莎》这幅画画的是佛罗伦萨一皮货商的妻子，画家画她的时候，她才二十四岁，这位妇女刚失去了自己心爱的女儿，常常悲哀抑郁。画家在画她的肖像时，为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师给她奏乐唱歌，或说笑话，让欢快的气氛帮助她展现笑容。画上的蒙娜丽莎呈现的笑容虽是微弱的，但却是发自内心的。而那个定格的笑，稍翘起的嘴角和舒展的笑肌，可以让人微微感觉到这位妇人在被画的时刻的心情。
同时有研究者发现，达·芬奇所有的绘画和肖像人物的脸上都出现了同样的面部表情，比如另外一幅《圣安娜与圣母子》，抱着小玛利亚的圣安娜脸上也有这样的微笑。
《圣安娜与圣母子》
据佛洛依德的《达·芬奇童年的记忆》达·芬奇当时没有把它交给订货人，推脱自己还没有画完，一直随身携带。直到这幅画后来被达·芬奇的保护人得到，然后送到卢浮宫，达·芬奇从来没有承认他已经画完最后一笔。即便尚未完成，但足以让后人感慨它的登峰造极之境，实际上，由于时间的磨洗，当年达·芬奇留在画布上的所有细腻之处，如今早已荡然无存。
从多方面简析《蒙娜丽莎》（技法、构图、色彩、人物表情等）及背后传达的意义
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首先画板是达·芬奇自制的，在白杨木板上刷了石膏，再经过胶类的处理，风干后再画的，不是布也不是纸。
其次达·芬奇是意大利的画家，佛罗伦萨画派的，这个画派有着非常优秀的木板蛋彩画传统，他不可能不受影响。蛋彩画是蛋黄或蛋清的调和颜料，是一种古老的绘画技法，大多画在敷有石膏表面的画板上。盛行于14～16世纪欧洲文艺复兴时代，艺复兴时代曾获得辉煌成就，到16世纪后，逐渐被油画取代。所以从《蒙娜丽莎》所处的时代来看，可能也有油画颜料的影子。因为从画面中可见含油的色层是比较明显，蛋彩痕迹不重，但不排除使用在底色层。
蒙娜丽莎背后的天空使用了价值每公斤2000美金的青金石作画的，而蒙娜丽莎身上没有一个珠宝，所以天空才看起来这么神秘，也暗喻了画本身的价值原来就是昂贵的。
最后，达·芬奇所使用的晕涂法（Sfumato）从2004年起经过6年时间被欧洲同步辐射设施组织（European synchrotron radiation facility）和卢浮宫的研究团队使用X射线萤光光谱测定法（Spectrométrie de fluorescence des rayons X）得以解密。他们在2010年的总结报告中指出，达·芬奇虽然在不同的作品中，运用了并不完全相同的画法及大量的色层，但每一个色层都画得相当薄。从开始的薄底色、中间的塑造层，直到高层的数十层透明色罩染，每一层的厚度在色层干燥后都薄到只能用微米来计算。
画作共享了40层极纤薄的油彩，每层厚度仅2微米(头发厚度的1/50)。
同时，这种由多层罩染技法处理过的某些轮廓的模糊状态，有效地克服了绘画中焦点透视法（Perspective conique）里单视点的弊端。因为人有左右两只眼睛，所以在现实中人看到的东西不会完全和单镜头相机照出来的东西一致。照片往往给人一种平面感，是因为传统相机无法类比具备天然视角差的双眼，把看到的物像通过视神经综合反映到大脑后所产生的图像和空间感。所以对轮廓线某些部分的虚化，使画中人物切实地融入他们所在的空间，让画面更具有真实感——就像我们用两只眼睛看到的那样。这和中世纪画相比，人物有了像照镜子般的真实感受。比早期的写实风格相比多了一份生动，自然。
美国哈佛大学一名神经生物学家利文斯通认为，这不只是单纯的晕涂法，达·芬奇绘画时还试图“欺骗”人类的视觉，令欣赏者要从侧面观看，才能清楚看到“蒙娜丽莎”的笑容。
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形象 ：资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象.
人物装束 ：发际线较高,额头较宽,没有眉毛，反映了当时的审美标准。（文艺复兴时西方世界女性的外在文化形象不仅包括身体的光滑柔润，还包括脸部的白净无瑕与对称，后者往往由细眉毛决定。所以在当时的女性让人将她们的眉毛修成一条直线。而如今随着时间的变迁， 眉毛由原来的细细的到如今看似没有眉毛。同样在达·芬奇的其他画作中，女性都是有眉毛的 ）。
构图 ：达・芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；
形体 ：造型比例准确，半身像，双手交叠在腹部。蒙娜·丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，给人印象深刻，展示了她的温柔，及身份和阶级地位。显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。这幅肖像画中的风景，广阔的自然风光衬托着夫人，向远方伸展去。但是这幅画中的风景绝不能被认为是现实存在的风景，必须懂得这一切只不过是从纯粹的装饰性作用的角度描绘的。
色彩饱和 ：深褐色为主色调（也有人认为是绿灰色带光泽的色调）。
色调整体过渡柔和，晕涂法在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。达•芬奇把眼角和嘴角这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。（利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应，他认为：蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。这里不作多余的论述）
首先这幅画不是以色彩取胜。而达·芬奇所使用的绘画技法，是把影调（偏于幽暗或“低沉”，首先是两绺长发暗沉沉地分列两边，其他如衣服、背景中的山山水水都是一种“半调子”，只有脸颊、胸双手还比较明亮.因此,整个画面调子给人的感受并不是单纯的“欢畅”）作为一种形式因素和表情因素，与线条等等一样既用以构成“美”的画面，也借以表现画家的情感。
艺术观念 ：现实主义的绘画观念，真实客观地表现现实生活的场景与人物的内心世界。
社会基本价值观 ：在一定程度上摆脱了中世纪教会和宗教思想的控制，强调人本主义的思想。
这样一幅不大的肖像画竟用去他四年的时间，这说明达·芬奇不是仅仅为了画好一个贵夫人的肖像，在艺术上有所追求的是他也表现了19世纪人的思想解放。
我们在欣赏这幅画作的时候，首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。
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在受基督教禁欲主义控制的年代里，妇女的举止是要受到许多的约束的，最重要的是她也表现了19世纪人的思想解放、反对宗教。她们不能放肆地表现自己的欢乐与痛苦，不然，就是对上帝的“亵渎”，在一般上层妇女中，也不允许肆意地哭与笑。所以中世纪的肖像画，一般都被画得呆板、僵硬，面部毫无表情。
中世纪马萨乔肖像画
达·芬奇在人文主义思想影响下，开始为表现人的感情而费尽心机，为了画出蒙娜丽莎的真实形象。他还从解剖和生理学上理进行研究，探索隐藏在皮肤下的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反应过程。
列奥纳多·达·芬奇在1487年前后创作的世界著名素描《维特鲁威人》
油画比素描费时很多很多倍，达·芬奇研究人的表情也是很多个日夜，简简单单一张脸他画上了多处的细微变化，才能给人这样一种神秘的感觉。他种种的研究和创新都在艺术上史无前人，也使得蒙娜丽莎的微笑可以成为这个世界上最著名的画。
意大利作家安格洛·孔蒂试图解释过这个微笑，他说，这位夫人的微笑里有善良的征服欲，邪恶的本能，女性整体的遗传，诱惑人的能力，欺骗的魅力以及残酷的仁慈。在这位作家眼里，蒙娜丽莎的微笑非常复杂，涵盖女性的一切心里特质。这种解释也许是一己之见，有些观众也只是从微笑中看到了微笑，并没有看到其他被过度解读的心理活动，迄今为止，仍然是个谜。
不仅仅是这位作家眼中的蒙娜丽莎，我们再来看看其他人眼中的蒙娜丽莎。
杜尚 不仅给神秘的蒙娜丽莎加了胡子，更是起了这样的名字：《L.H.O.O.Q》意思是：蒙娜丽莎的屁股热烘烘。（蒙娜丽莎气的棺材盖压不住了）
萨尔瓦多·达利-《自恋的蒙娜丽莎》
意大利摄影师Marco Pece是一位乐高玩具的狂热粉丝，他用乐高玩具完美再现了蒙娜丽莎的微笑。
这幅山寨版“蒙娜丽莎”在日本高岛屋百货公司展出，由废弃火车票制作而成。
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艺术家Jim Hance创作了这幅古怪版的蒙娜丽莎，并把它取名为“蒙娜莉娅(Mona Leia)”
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再来看另外一个被称为“东方的蒙娜丽莎的”雕像作品。
该雕像捏合的手印，叫做禅定印，表示平定自己的内心，进入到禅修的至高境界。坐佛的面部特征为双眼微闭，从容平静，嘴角有一丝若有若无的微笑，整个人的神情显得非常怡然自得，可以让人感觉到他脸上的笑容是那种发自内心的会然一笑，就好似陷入迷思并苦苦探寻之后的一个猛然顿悟，让他会心一笑，为自然而然由内心生出一种喜悦的感受，这种感受被称之为“禅悦”。这身坐佛像正是在表达进入禅悦的状态，佛的嘴角微微上翘，浮现出一种含蓄的发自内心的满足的微笑。而这座笑佛是很明确的笑的状态，能够保持不累和负担的感觉，是非常难得的，难度也更大。
很多人说莫高窟中洞窟的坐佛比达·芬奇要早上一百年，为什么把它称为东方的蒙娜丽莎？就连《蒙娜丽莎》也从之前少数精英观摩的对象，变成了普通大众的消遣品，网络上各式各样的、各种版本的《蒙娜丽莎》衍生作品几近泛滥。
仁者见仁，智者见智，无论是看官还是爱好者都各执己见，莫衷一是。重要的是这幅作品本身传导的价值，重要的是你赋予这幅作品的价值……
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《蒙娜丽莎》的意义在于：她继承了古典主义庄重、典雅、均衡、稳定和富有理想化和理性化的行为规范。但是进一步突破了希腊古典主义艺术在人本质上的局限，为使后来的艺术走向现实，走向客观，走向更深层，更内在，更微妙的表现树立了楷模。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，《蒙娜丽莎》几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟，《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。
结语：
现代艺术经过百年的努力，将曾经只属于少数人的艺术题材，拉到了日常生活的图景当中，再将仅供贵族阶层赏玩的古典艺术作品，与日常用具相结合，把艺术重新带给了普罗大众。
杜尚说过一句话，“所谓名作是被人经常议论的那件事情”，但你并不是有机会做出一件老让人议论的事情。
比如说《蒙娜丽莎》，《蒙娜丽莎》那么有名，可是我不觉得《蒙娜丽莎》是全世界地位那么高的一幅画，达·芬奇本人比《蒙娜丽莎》好的画有好几幅。他画一个女孩子抱着一个老鼠还是个黄鼠狼（《抱银鼠的女子》），还有一个年轻的眼睛很大的音乐家（《音乐家肖像》），我觉得要比《蒙娜丽莎》画的好。可是他一切的画里面被议论最多的，不断被人提起的就是《蒙娜丽莎》。它被神化了，所以一幅画下面即便全是口水，说它的人太多了，这幅画就变得非常有名，为什么会这样我不知道。
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