Question

了解美国的艺术起源和发展，看后现代艺术的全民化

Answer 1

在上世纪，美国一直是一座梦想之城，世界各地的人们来到这里寻找美国梦。而各种文化的撞击和发展，打造了异彩纷呈的美国文化和艺术。《DADA全球艺术之旅去美国》将带我们去这个让人激动亢奋的国度见识他们的艺术的发展之旅。

美洲在1492年被发现的，而真正为世人所知则始于1945年。第二次世界大战末期，欧洲人逐渐认识了大西洋彼岸的美洲新世界已经崛起，足以与他们抗衡。在欧洲登陆的美洲大兵带来很多令人着迷的新奇玩意儿――可口可乐、汉堡包、口香糖、好彩香烟、美式足球，当然还有电影明星和啦啦队女孩。但最让欧洲人大开眼界的，还是粗旷牛仔们带来的一股艺术潮流。

这是一种开始形成自己独特风格的艺术，涵盖兰美国及其所有象征物的历史、城市中离群索居的人、高大的建筑、璀璨夺目的仿制珠宝……纷纷进入纽约和洛杉矶的博物馆。新的绘画流派相继诞生，打破了世界文化中心巴黎那些老派艺术拥护者们制定的所有规则。就这样，这些表达痛苦、幽默、不满、不同政见或坏品位的新流派，从无序走向有序，并在未来深刻的改变着艺术的世界。

《DADA全球艺术之旅去美国》就从主流艺术的起源和发展，介绍了上世纪美国的艺术狂潮，那我们现在就去了解一下吧。

欧洲的艺术家们追求人物线条的完美，他们一般是贵族或宫廷画师，在那里艺术是高大上的，平民很少能接触到。而在这个新兴的美国，人们脱离了原有的阶级固化，以一种更自由的心态追求艺术，使他们的艺术更接近生活、更人性化。

这时候、野兽派画家、表现派画家也出于这一原则展开创作，立体主义、抽象手法被大量运用，还出现了未来主义画家。

爱德华·霍珀是美国最伟大的画家之一，而且是最具“美国风格”的一位，他的作品表现出的那种纯粹的孤寂似乎是现代化的产物。

他在1925年创作的《铁道旁的房屋》，看似平淡无奇、单调乏味，但单调的直击人心：那些住在铁道旁的人们每天在窗口欣赏那一层不变的风景，就是从屋前经过的火车。1939年，爱德华·霍珀又创作了《纽约电影》，画面中一位陷入遐想女检票员呆立在放映厅的入口，而观众们则在昏暗之中观看影片。同样，这幅画表现的是另一个世界的孤寂，在那个世界里，电影的画面似乎比周围的世界更加真实和诱人。

跟欧洲画家一样，美国画家对描绘城市也越来越感兴趣。比如查尔斯·希勒，他所描绘的风景没有生气――工厂冷冰冰的烟囱代替了大自然的喧闹。他的笔锋干净利落，只用极为简单的线条就勾勒出轮廓，他的作品几近抽象的速写，我们从中可以看到法国立体题绘画的影子。

同样，斯图尔特·戴维斯也运用抽象手法来描绘音乐、俱乐部、城市的街道和街道上的广告招贴。

而在查尔斯·德穆思的绘画中，城市仿佛被一股永不停歇的按钮推动着，在他的著名作品《我看到了金制的数字5》中，德穆思描绘了一两飞驰的波士顿街头的消防车给自己留下的印象，消防车呼啸而过，而他却呆立街头，思索着那个印入眼帘的数字5。德穆思是一位未来主义画家，这一画派发源于意大利，在两次世界大战之间对绘画艺术产生了深远的影响。

不光如此，达达主义和超现实主义在美国也占着举足轻重的地位，并为艺术实践开拓了全新的领域，让它完全摆脱传统表现手法的规则限制。在两次世界大战之间，一些艺术运动就已经呈现出了一种“美式艺术”的轮廓，比如“乡土派”和“社会现实派”，这些流派推崇美国传统的集体价值观，揭露现代生活的无情，从而赋予艺术更为本质的政治色彩。

而直到第二次世界大战之后，美国才完全摆脱了欧洲一损影响。

“抽象表现主义”这个名称，是《纽约客》杂志的一位记者提出的。这些艺术家们并没有结派，而是独立创作并发展了自己的风格。在20世纪40年代，他们几乎全都生活在纽约，而且在绝大部分时间中都想要创作大尺副的抽象绘画。

这些艺术家的人生遭遇可谓悲惨，先后经历了第一次世界大战、大萧条、西班牙内战、第二次世界大战、犹太人屠杀，还有广岛和长崎的原子弹爆炸，生活没有特别优待他们。阿希尔·戈尔基，是一位亚美尼亚裔，他逃过了土耳其奥斯曼帝国时期针对亚美尼亚族群的大屠杀，却目睹母亲因饥饿而死去；威廉·德库宁，是一位荷兰裔移民；马克·罗斯科，生于俄国一个贫穷的犹太家庭，遭遇了反犹太主义；杰克逊·波洛克是一个贫农家庭的第5个孩子，他的12岁之前搬过8次家，在青少年时期酗酒成性。

在承受了如此之多的苦痛之后，这些艺术家已经无法再用先辈的绘画语言表达绝望之情，他们必须与过去决裂并创造全新的事物。他们作品中的人物支离破碎、造型奇异甚至不以人的形象出现，但从不会透出悲剧的色彩。

对于一些人来说，让绘画过程被人看到并以此来激励自己，即是一种渴望也是一种需要。杰克逊·波洛克、威廉·德库宁和弗兰兹·克兰等人做画时，动作、痕迹、过程、行为都清晰可见，正是这一点，促使评论家哈罗雷·罗森堡在1952年使用了“行动绘画”这个词来指称这些艺术家们的绘画方式。

对于另一些人来说，创作时似乎更加注重内心感受，也更深思熟虑，他们借令出巨大的色域，这是他们在面对这个世界的艺术表达。评论家克莱门特·格林伯格在1955年把他们称作“色域画家”，包括马克罗克·罗思科、巴尼特·纽曼和罗伯特·马瑟韦尔等。

20世纪60年代，美国的消费品生产十分活跃，休闲活动也获得空前发展。产品批量生产，价格便宜，人人都买得起；汽车内部空间宽敞，颜色亮丽；房子可以贷款购买，但可能要一辈子才能还清……在消费社会，生产力获得空前发展，人们相信可以借助金钱和各种家居设备过上更好的生活。

于是，一种新的生活模式诞生了。人们通过电影海报确定休闲时间怎么打发，通过广告选择各种各样令生活更加便捷的商品和服务，艺术家们则从这崭新的世界中获得创作的灵感，用作品描绘、反映、阐释，甚至批评这种现实。就这样，一种前所未有的艺术――波普艺术，如繁花一般灿烂绽放。这种流行艺术，人人可及，人人能懂。

人称“波普教皇”的安迪·沃霍尔，重拾起通常用于印刷海报的丝网印刷技术，开始成系列的大量复制图像。如在《玛丽莲》中，玛丽莲·梦露一头卷发，嘴角含笑，还有无可挑剔的红唇，怎么看怎么美，永远那么年轻。沃霍尔以好莱坞电影明星为创作素材，印刷了大批图像。

“魔镜魔镜，我是最美丽的女人吗？”这个问题仍然悬而未决，但安迪·沃霍为我们展现了一个满是美丽女人的理想世界。这些美丽女子总是呆在游泳池边，喝着鸡尾酒消磨时光，他们的生活真的完美无缺吗？受波普艺术影响，雕塑也和以前不一样了。

比如安迪·沃霍把超市里的清洁擦堆放起来，就是一件雕塑作品；克拉斯·奥尔登博格的巨型塑料三明治看上去滑稽可笑，但占领了各大博物馆的展厅；贾世珀·约翰斯则用彩绘青铜铸城啤酒罐子……写实主义势不可挡，艺术家们想方设法重新表现这种全新社会模式的标志物，为的是赋予它独特的意义，重复、原模原样的复制或巨幅尺寸，任君挑选。

任何创作都是一种表达，但是没有一个地方比美国创作更加自由了。街头巷尾、地铁过道无不留下许多平民创作者的涂鸦，在很多国家，这种行为可能被视作损害公物的行为，但在美国，还可让这些作品进入博物馆。涂鸦，要面对警察越来越严厉的管制，创作意味着即兴和迅速，它往往是人们灵光一闪之后的杰作，带有一种更自然、更亲和的感染力。

千百年来，艺术都是一种高大上的东西，并不是我们每一个人都能够欣赏的，但是艺术流派在美国的发展，衍生出一种更亲民、更随意、更人性化的风格，使我们每个人都能够运用它、理解它并掌握它，汤唯在美国学习资金吃紧时，就曾在街头做过人体艺术，自己既是创作者又是模特，一个人几个小时就能赚够当天的生活费。

在美国，艺术是更自由、更包容，也更具活力的，比起我们之前对艺术的理解，它现在更接近生活，已经成为一种全民艺术，任何人都会使用它。美国的波普艺术流行，进而蔓延到全世界，使我们每个人都可能成为艺术家，加入这场艺术的狂欢，不得不说这于艺术是一种全新的推广。