素描是什么？
素描是绘画的基础，绘画的骨骼；也是最节制、最需要理智来协助的艺术。初学绘画的人一定要先学素描，素描画得好的人，油画自然画得好。素描的起源，普遍都是以文艺复兴开始，事实上希腊的瓶绘、雕塑都有良好的素描基础。初期的素描是视为绘画的底稿，例如作壁画先要有构想的草稿，然后有素描的底稿，同时也要有手、脸部分精密素描图。作壁画习惯上是不看模特儿写生的，完全要靠事先准备的习作素描和画家的记忆。
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近代素描，已脱离了原来的底稿和习作的地位，可以成为艺术品来欣赏。画素描的态度不只培养描写力，同时也培养造型的能力，最后仅仅是素描也可视为作品来欣赏。相反的单看油画作品就可知道作者在素描上的造诣如何。因此，素描是绘画的基础，也是绘画的骨骼，是初学画的人无论如何要先认真学素描。素描在严格的解释上，只有单色的黑与白，但如加上淡彩或颜色，仍可认作素描。
素描的表现方法分成：
一、以描画材料来看可分成木炭素描、铅笔素描、炭精素描、钢笔素描、银笔素描、毛笔素描等。
二、以所画的题材可分成石膏像素描， 风景素描 ，静物素描、人体素描、幻想素描。三、依素描的目的又可分成作为构想的素描、用作画稿的素描、速写、作品、习作。
素描的造型能力是指什么？
一、 形象的再创造
素描造型（包括写生练习）是绘画范畴的东西，具有艺术创造特点，决不是照相术，应该说所有素描形象都应该是艺术的再创造，而不是实物的翻版。素描形象是这样，素描画面更是这样。虽然基本练习对初学者有习作性的要求，更有研究性的要求，但总是要在画者理解对象、感受对象的基础上，准确地把自己对对象的认识表现在画面上，对与初学者来说基本练习里对对象的参照自然较多，作为一种学习过程和过度是不可避免的，也是一条必经之路。
素描造型要求把对象的认识提高艺术形式美的高度来考察，发现其中的形式美感、视觉刺激的节奏、节律感、形的力式因素，通过你的手段而明确起来，强化起来，这样就会有别于盲目依赖客观的表现了。结构、动态、比例、透视、光影等等，造型中我们要求依据的这些内容，不但有科学性的一面，也有广阔的艺术创造的天地，这是客观准确性和艺术准确性不同的两个方面，而后者正是我们追求的目的。
素描造型能力有三方面，一是认识能力，理解对象的能力；二是塑造能力，在平面上把握形象特点，表现空间的形和传神的能力，变自然形象为艺术形象的能力；三是创造个性化形象（艺术家个人特有的）能力，控制画面的能力。三种能力同时能力同时解决或先后解决，你的素描造型手段才能走向成熟。
二、 追求画意
在素描过程中，要指导学生探索点、线、面、黑白灰等造型语言的运用，不断总结、积累能有效地表现对象，表现感受，形成画面的语言经验。不研究画法，死磨硬抠，易止步不前，同时过于追求画面表面效果“帅气”之类又容易钻“牛角尖”甚至更要不得。
画意来自画法，但又不同于画法。画意是一种绘画生动性的体现，是画面外在形式和内在表现要求的完美结合。技法技巧有个逐步深化的过程，在素描训练中不要过于谨慎，慎小、慎微。只要想法明确、有感受就大胆出手，不怕错，不怕拙，不怕笨。“宁拙勿巧”“宁脏勿洁”都是讲究一种探索的精神，有点笨、有点滞、有点脏、有点黑、有点改来改去都可能是更好的素描作品（起码是好的学习方法）。高格调的东西往往是实实在在，看似普普通通的，不太顺手的，不求表面完整、帅气的、过分一目了然的东西。
三 、总一概万，表现整体
这种求一的精神，是艺术品成功的表现，好的艺术品总是表现在把握整体大关系上，而不单是好的细节刻画。整体感强，既不是所谓的完整性，也不是所谓的完成性，是一种形式表现上的统一和精神表现上的一致性，以及两者的有机结合。这就是绘画中要求的整体。
素描中的基本形，不仅对起稿重要--是一张画正确的起点，而且对结束也重要--它是一张画的归宿，它代表了艺术形象的整体。对形象的感受要明确，主要体现在大关系上，从整体上处理结构、形体、虚实、黑白灰等等，要一眼看过去的大关系，其次才是细节。大关系统率下的细节可以无穷无尽，脱离大关系的细节一笔（一点点）也多。
在素描教学中，主要是训练学生如何观察和刻画客观物象的造型能力，对于初学者来说，我们常常以把形体画得像不像、准不准、整体不整体作为检验素描水平的高低。作为设计人员同样要具备素描的基本功。 美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型，艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动，是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态，更重要 素描：周杰伦
的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法，需要恢复人的自然思维方式和操作方式，需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径，这在艺术造型的实践中得到了完全证明，因此，素描被称为“造型艺术的基础”。 素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，铅笔，色粉笔，乌墨褐，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。 轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。 素描是一种正式的艺术创作，可以用单色线条（也可以用两种或两种以上的颜色）或涂抹成面等方式来表现直观世界中的事物，可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和色彩，而是着重结构和形式 炭笔素描头像(窦中亮作品)
在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。 一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。 • • 每一个物体在光照下都会有亮和暗两部分即明,暗两部分。所以在画时，会以明暗交界线为界,分出明暗两部分。 • 暗部一般还为反光,灰部和暗部；亮部则是画中最明亮的部分；此外还有投影,和背景。 • 在作画时,亮部要尽量避免脏,暗部要尽量避免闷(也就是由于线条太多而没有空隙与反光)。 素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。 素描的定义(摘自康和教师手册) 法文Dessin--英文Drawing--中文称为「素描」。素描是描绘者在既定的面积或在平面的物质(纸、布……)上--描绘出外在的形体在空间中的位置--并藉此训练来掌 《仙人掌》窦中亮作品
握物体的明暗层次和基本形象。 速写符合素描的定义，广义上来说，速写是素描的一种。
编辑本段素描美术高考
在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。所以，素描需培养自己的观察力。另外，素描也可以解释为「存在」与「绘画」之间一切的努力，亦即所谓「绘画之描写力」。例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明 人物素描
暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。因此，在学习中要踏踏实实，持之以衡，不可浮躁。 随着我国高等教育的发展，美术院校及专业招生数量越来越多，许多爱好美术的高中生报考美术院校和专业，而素描考试是美术专业考试的主 要科目，如何在高考中提高素描成绩，是考生苦苦寻觅的问题。因此，对素描考试的研究是高中美术教师教学的重中之重。 欧洲艺术在19世纪末，由于后期印象派、立体主义对于艺术本质的不同追求与探讨，使实体形与色的描绘完全解放，因此，也改变了传统的素描训练方式。在部分国家，如法国巴黎第一大学美术系，便以「二度空间，单色与多色的研究」来取代「素描」的课程。在这种的课程安排中，素描有著更宽广的空间，素材的弹性更大，学生可以 独角兽(素描)
任意使用各种不同的媒材来从事二次元的造形练习。所以，除了基本的素描概念不可偏废外，在素描媒材的训练上，应在课程的练习中给予更多的弹性与变通，使素描的训练不仅能配合艺术思潮，并且展现更多的活力和更广的表现力。 如文艺复兴三杰、鲁本斯、伦勃朗、哥雅、安格尔、列宾、门采尔等等；而有的大画家则流传极少，象提香、委拉斯兹，由于他们长于直接在画布上起稿，所以没有留下多少素描稿；但从仅见的少数作品上仍能窥见他们在素描方面独到的功夫。 素描的明暗五大面包括:亮面,灰面,明暗交界面（最暗）,投影面,反光面 素描要注重基础 画多几何体很提能力！ 素描，一般先从石膏像入手，以石膏像作为初始阶段的教学内容，其有利条件是：其一，石膏像是白色的物体，便于我们观察人物头部形体结构的转折关系及层次差别；其二，石膏像是静态的，对于初学素描写生的学生而言，这为他们细致、耐心地观察和描绘对象提供了最大的方便。淡化了的人物肤色、毛发的各种差异和变化，会使我们更为直接地感受不口理解对象的形体与结构的本质；此外，石膏像通常是翻模欧洲古代艺术大师及东方艺术家的经典雕刻作品，这些雕像本身已经过雕刻艺术家的概括、归纳、强化处理和表现，人物的形象特征、结构关系更为强烈鲜明，动态与情绪更为生动，富有感染力。在石膏像印写生训练中，这种对象本身已是一个很好的艺术范例，给我们提供了结构 独角兽(素描)
、形体与层次的最好方法。石膏像的上述特点其实从另一方面已说明了它与人物肖像写生的区别和差异。那么，在具体的写生过程中，表现手法上的异同又体现在哪些方面呢? 扼要地说，石膏像素描写生与人物肖像素描写生从观察方法到表现步骤没有什么本质区别，而且是比较一致的。但在具体的表现技巧上确有些细微差异。首先，石膏像的形体结构与肌肉的起伏关系是雕刻家用雕刀塑造出来的，它有明显的体面归纳、概括和处理的痕迹。如石膏像的眉、须、眼球、头发等都是运用体面、团块归纳与处理过的形体。骨、肌肉的起止关系都较为明显而强烈。
编辑本段作画步骤
科学、严格的方法步骤不仅能够保证素描作业顺利进行，更可以培养我们的整体观察能力和描绘能力。 石膏素描
[1]确立构图
推敲构图的安排，使画面上物体主次得当，构图均衡而又有变化，避免散、乱、空、塞等弊病。
画出大的形体结构
用长直线画出物体的形体结构(物体看不见部分也要轻轻画出），要求物体的形状、比例、结构关系准确。再画出各个明暗层次(高光、亮部、中间色、暗部，投影以及明暗交接线)的形状位置。
逐步深入塑造
通过对形体明暗的描绘(从整体到局部，从大到小)逐步深入塑造对象的体积感。对主要的、关键性的细节要精心刻划。
调整完成
深入刻划时难免忽视整体及局部间相互关系。这时要全面予以调整(主要指形体结构还包括色调、质感、空间、主次等等)，做到有所取舍、突出主体。
编辑本段专业用语
结构 受光 背光 色调 比例 观察 透视 视点 形体 构图 定点 素描“微笑女孩” 苏志和
[2] 造型 临摹 投影 虚实 强弱 轻重 写生 色相 明度 纯度 灰色 反光 高光 排线 深浅 疏密 空间 位置 侧光 立面 横面 五大调（黑，白，灰，明暗交界线，反光） 长宽高 点线面 三大面 轮廓线 结构线 基本形体 组合形体 灰面
编辑本段注意事项
1.缺乏整体美感 这是不少初学者和考生共同的毛病，由于他们缺乏长期性的作业训练，在考试中不能在整体观念的指导 石膏素描
[3]下全面推进，往往是急于求成，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。让整体的美感不能更好的体现出来，局部的构造已经很突出了，而其他地方做的不足，这样的一副画，怎么能得到好评呢？ 一幅画的整体是由若干个局部组成的，没有局部的一幅画是不真实的；然而，一幅画只有局部，没有整体，就算再精彩、再深入也是毫无意义的。素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“意境”和如何观察事物的“想法”。离开了这两点，素描练习也就失去了它的本质意义。既然整体是关系到一幅素描画的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得十分重要。如何解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色参考学习资料(13张)调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。 2.敏锐感加强 世上所有的人，没有绝对相同的面孔，即使是双胞胎也不例外，他（她）们也都有别人不易察觉的差异。素描训练的根本任务是，捕捉对象的特征和独具个性的差异，但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人，模特儿似乎成了摆设，成了他们胡编乱造的参照物。这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。有的考生错误地认为：模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的标准之一，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。无疑，这样的试卷是无法得到高分的。而这些毛病一旦形成就很难纠正。所以学生们要特别注意老师讲到的每一个细节。 3.画面把握不好 在最后画面调整时，最容易出现画面灰、效果对比不强烈和画面锁碎的问题。为什么会出现这些问题呢？这是因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律,，画面的层次就不清晰，画面的效果就不响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要给你的感受而定。自身的关系是非常重大的，但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中的一个。 造成画面灰的原因很多。比如模特儿的面部大部分都处在亮部里，于是，画面上基本都是亮和灰的色调；如果处理不当，很容易造成画面灰。这时，就体现深灰的作用，尽量拉开深灰和浅灰的距离，使之保持画面的层次感。还有一种情况：模特儿的皮肤比较深，黑和深灰色调占其面部的大部分面积，而浅灰和亮面所占的面积很少。处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷，影响作业成绩。对此，考生应主动减少中间色调的深度，提高画面（脸部）的亮度，保持画面的层次感。写生的过程当中，在整体尊重客观对象的前提下，允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。 素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。写生时如果打乱了这种客观秩序，就会出现零乱琐碎，因而影响画面的整体感。 还有一种情况，每个局部都画得很好很完整，但局部和局部之间没有联系，互不统属，互不相让，像一盘散沙。一个物体在一个固定光源的照射下，必然会出现强弱、远近和虚实的物象。因而就产生了物象主次关系———秩序感。把握不好，这样的一幅作品也不能说是一幅好的作品的！
