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中国传统绘画重言志抒情,西方传统绘画则重模仿自然，中国绘画讲究意境美，西方传统绘画则重视人体美;中国传统绘画呈现出哲学化的审美倾向,西方传统绘画呈现出科学化的审美倾向。中国画的审美基点在于“意味”，西方绘画的基点从属于“再现”，中国绘画追求形象之外的意，线条与超然的色彩更能充分表达主观情感，成为东方美术造型的主要手法。欧洲人致力于物象自然属性的研究，造型艺术便充分利用了自然科学，借助明暗规律光与色的关系，空间、体积、结构、运动的表现成为主要造型依据。中国审美的本质在于尚意、领悟，对真实的理解是物体对应人情思后“升华了的真实”，西方的审美本质是尚行的，他们认为造型艺术的认识必须是由感性到理性的认识。而理性认识必须有明确的定义，审美必须有客观依据，有准确的概念，推斥了东方的“领悟性”，重视自然得人的美感及生活体验的功用。
人类在远古时代的艺术，从内容到形式都有极大的共同性倾向，使用的材料也有很多类型，这是因为原始人类的社会活动、生存方式以及求取生存的手段大体雷同的原因。意识形态是建立在人类的显示活动基础上的。原始的绘画不管是在洞窟中的，还是岩壁上的，尽都是表现了与狩猎有关的内容，除了赖以生存的动物和人类对自己的描绘外别无其他。显着古朴、稚拙、粗犷的风格。进入阶级社会之始，世界上由于地域、政治体制、宗教等文化背景的不同，便出现了不同的艺术审美思辨，也就出现了不同的艺术形式。在众多的民族艺术发展中，主要有两条差异明显，对人类文化发展影响最大的线路：一、是产生在专制奴隶制社会中的，以中国为代表的东方型艺术。这种艺术创作极大地受宗教与权利的控制。为体现神秘的想入非非的某种精神而出现。掩盖了人对自身以及对生活的了解及感受，把造型语言纳入到神明的对应中，以标示神的至高无上，中国商周的青铜文化，古埃及的神庙及金字塔便是有力的见证，于是艺术形式的表现性得到了肯定，意趣追寻成了造型语言的目标，其后又由于封建社会文化发展中很大程度地适应了这种艺术观，这种艺术便得到了发展和更进一步的完善。二、是以古希腊为源，在欧洲得到发展的艺术审美观念，它产生于古希腊的民主奴隶制。艺术之初便为表现群体意识肯定人类自身的价值而出现，艺术创造属于从属于人文主义，以人的理想美为要求塑造神明或人类自己，于是造型艺术便努力地从客观对象中寻找美、揭示美，以社会生活的理想为出发点，艺术家为了达到如此目的，便认真研究物体体现的最基本表现形式，他们认为物质的普遍属性中存在着最高的审美理想，艺术家作为一种传播思想的符号就要结实客观事物中的最理想的成分。客观事物中人是最完美的，于是人体美得到了最高的肯定与赞扬。于是古希腊人发现了物体中的秩序、比例、对称、节奏等“数”的关系，“模仿说”成了主要发展的原则，这种原则经过欧洲文艺复兴的进一步肯定，并得到了发展。在西方的绘画中，人物占据了核心的位置。所谓核心位置有着双重的含义，一方面，是数量的巨大，另一方面，是人物在构图中所占据的核心位置。如众所周知的《蒙娜·丽莎》、《最后的晚餐》，到现代主义诸大家（如毕加索、梵·高等人）的作品。这种以人物为核心的传统，就是西方艺术注重个人主义的人文主义文化传统的突出表现。而西方绘画中准确、谐调而科学的比例关系和透视关系，则是实证主义与科学精神的传统在绘画上的体现。反观中国的传统绘画，也是恪守着中国的文化传统。在这些浩如烟海的画作中，必须承认人物完全处于从属的地位。在宋朝范宽的《溪山行旅图》等作品中，经常可以看到在一幅高度在2米左右的山水画中，若有可怜的人物，几乎让人找不到，与《蒙娜·丽莎》的人物占据了画面的五分之四，恰好相映成趣。道理说来很简单：崇尚自然秩序的道家传统的确认为人在自然界中就是那么一点点大，正像苏轼说的：“寄蜉蝣于天地，渺沧海之一粟”。而明清小品画更是花鸟虫鱼，几乎没有人的位置；自然本位主义实在是中国绘画的一大传统。中国绘画美学不以结构严禁的逻辑体系为基础，不专门研究自然的本质属性，认为事物可以认识，但并不需要用清楚的概念表示，为了追求永恒与升华。某种定义是不必要的，只可意会不可言传“意足不求颜色似”，画面上用大面积的空白，大块的磨块，多视域的构图处理，成为东方人理解到有相互相成的艺术创造中的宇宙和谐实体。欧洲人认为世界万物之所以千差万别就在于它们各级都具有不容的数量关系。雕塑绘画等艺术的美在于数的和谐与比例。一切造型艺术要依靠于对数据关系恰如其分地把握，于是对人体精妙的比例节奏的提炼与表现成了艺术家致力的方向。有异于的“度物象取其真”。中国是感知的真，西方是自然属性的真；中国是情感意味中的真，西方是客观条件的真。西方绘画美学认为艺术创作必须上升到理智，这样才能把握事物中的或然与必然规律，并把它表现在一个艺术形象中，使之成为客观的摹本，尽管中世纪基督教把艺术美的本来属性看作是上帝的光辉。中国绘画重神似，即把描绘物体当作艺术家本人思维情感的媒体来看待。通过艺术语言，借助艺术手段再造的境界纳入到一个艺术的意境范围。最后结果使表现的物象能充分表述艺术家的主观意识为目的。所以表现笔墨之中的物体、色彩等关系常常是极大程度地改变了客观自然，而带有很多的主观成分。由此可见中西在美术方面的差别，然而即使风格迥异，两者仍然在寻求一种高层次的相互融合，吴冠中先生曾说：“我曾将中、西方杰出的绘画作品比作哑巴夫妻，虽语言有阻，却深深相爱。”纵观历史， 21世纪以后，东西方文化交流相互影响越来越明显，而且成为必然。欧洲油画在中国扎根成长，东方艺术为西方美术发展提供了条件，互相吸收，互相作用。21世纪新的科技文明的发展，对人类文化与民族传统，人的生存方式都起着重大的作用。但美术的发展规律告诉我们，多元仍然是其基本存在形式，适应身会的不断创新仍然是其存在规律。
人类在远古时代的艺术，从内容到形式都有极大的共同性倾向，使用的材料也有很多类型，这是因为原始人类的社会活动、生存方式以及求取生存的手段大体雷同的原因。意识形态是建立在人类的显示活动基础上的。原始的绘画不管是在洞窟中的，还是岩壁上的，尽都是表现了与狩猎有关的内容，除了赖以生存的动物和人类对自己的描绘外别无其他。显着古朴、稚拙、粗犷的风格。进入阶级社会之始，世界上由于地域、政治体制、宗教等文化背景的不同，便出现了不同的艺术审美思辨，也就出现了不同的艺术形式。在众多的民族艺术发展中，主要有两条差异明显，对人类文化发展影响最大的线路：一、是产生在专制奴隶制社会中的，以中国为代表的东方型艺术。这种艺术创作极大地受宗教与权利的控制。为体现神秘的想入非非的某种精神而出现。掩盖了人对自身以及对生活的了解及感受，把造型语言纳入到神明的对应中，以标示神的至高无上，中国商周的青铜文化，古埃及的神庙及金字塔便是有力的见证，于是艺术形式的表现性得到了肯定，意趣追寻成了造型语言的目标，其后又由于封建社会文化发展中很大程度地适应了这种艺术观，这种艺术便得到了发展和更进一步的完善。二、是以古希腊为源，在欧洲得到发展的艺术审美观念，它产生于古希腊的民主奴隶制。艺术之初便为表现群体意识肯定人类自身的价值而出现，艺术创造属于从属于人文主义，以人的理想美为要求塑造神明或人类自己，于是造型艺术便努力地从客观对象中寻找美、揭示美，以社会生活的理想为出发点，艺术家为了达到如此目的，便认真研究物体体现的最基本表现形式，他们认为物质的普遍属性中存在着最高的审美理想，艺术家作为一种传播思想的符号就要结实客观事物中的最理想的成分。客观事物中人是最完美的，于是人体美得到了最高的肯定与赞扬。于是古希腊人发现了物体中的秩序、比例、对称、节奏等“数”的关系，“模仿说”成了主要发展的原则，这种原则经过欧洲文艺复兴的进一步肯定，并得到了发展。在西方的绘画中，人物占据了核心的位置。所谓核心位置有着双重的含义，一方面，是数量的巨大，另一方面，是人物在构图中所占据的核心位置。如众所周知的《蒙娜·丽莎》、《最后的晚餐》，到现代主义诸大家（如毕加索、梵·高等人）的作品。这种以人物为核心的传统，就是西方艺术注重个人主义的人文主义文化传统的突出表现。而西方绘画中准确、谐调而科学的比例关系和透视关系，则是实证主义与科学精神的传统在绘画上的体现。反观中国的传统绘画，也是恪守着中国的文化传统。在这些浩如烟海的画作中，必须承认人物完全处于从属的地位。在宋朝范宽的《溪山行旅图》等作品中，经常可以看到在一幅高度在2米左右的山水画中，若有可怜的人物，几乎让人找不到，与《蒙娜·丽莎》的人物占据了画面的五分之四，恰好相映成趣。道理说来很简单：崇尚自然秩序的道家传统的确认为人在自然界中就是那么一点点大，正像苏轼说的：“寄蜉蝣于天地，渺沧海之一粟”。而明清小品画更是花鸟虫鱼，几乎没有人的位置；自然本位主义实在是中国绘画的一大传统。中国绘画美学不以结构严禁的逻辑体系为基础，不专门研究自然的本质属性，认为事物可以认识，但并不需要用清楚的概念表示，为了追求永恒与升华。某种定义是不必要的，只可意会不可言传“意足不求颜色似”，画面上用大面积的空白，大块的磨块，多视域的构图处理，成为东方人理解到有相互相成的艺术创造中的宇宙和谐实体。欧洲人认为世界万物之所以千差万别就在于它们各级都具有不容的数量关系。雕塑绘画等艺术的美在于数的和谐与比例。一切造型艺术要依靠于对数据关系恰如其分地把握，于是对人体精妙的比例节奏的提炼与表现成了艺术家致力的方向。有异于的“度物象取其真”。中国是感知的真，西方是自然属性的真；中国是情感意味中的真，西方是客观条件的真。西方绘画美学认为艺术创作必须上升到理智，这样才能把握事物中的或然与必然规律，并把它表现在一个艺术形象中，使之成为客观的摹本，尽管中世纪基督教把艺术美的本来属性看作是上帝的光辉。中国绘画重神似，即把描绘物体当作艺术家本人思维情感的媒体来看待。通过艺术语言，借助艺术手段再造的境界纳入到一个艺术的意境范围。最后结果使表现的物象能充分表述艺术家的主观意识为目的。所以表现笔墨之中的物体、色彩等关系常常是极大程度地改变了客观自然，而带有很多的主观成分。由此可见中西在美术方面的差别，然而即使风格迥异，两者仍然在寻求一种高层次的相互融合，吴冠中先生曾说：“我曾将中、西方杰出的绘画作品比作哑巴夫妻，虽语言有阻，却深深相爱。”纵观历史， 21世纪以后，东西方文化交流相互影响越来越明显，而且成为必然。欧洲油画在中国扎根成长，东方艺术为西方美术发展提供了条件，互相吸收，互相作用。21世纪新的科技文明的发展，对人类文化与民族传统，人的生存方式都起着重大的作用。但美术的发展规律告诉我们，多元仍然是其基本存在形式，适应身会的不断创新仍然是其存在规律。
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