Question

怎样辨别音乐的类型

全部类型的

Answer 1

　　十大音乐类型的介绍

　　⒈ R＆B(HIP-HOP)

　　R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作"节奏怨曲"。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。

　　⒉ RAP<说唱乐>

　　说唱乐的起源可以追溯到黑人音乐根源中吟咏的段落中，到了70年代说唱乐正式确立了自己的风格，其中最主要的功劳要归根于当时流行的迪斯科舞厅中的DJ们，他们将黑人当时正在风行的FUNK节奏混入流行的迪斯科节奏中，并且在唱片机上反复重复同一张的唱片的内容，做自己的LOOPS，随着那些在现在广为人知和DJ们普遍应用的“打碟”法出现，说唱开始被街头黑人文化所流传，并且衍生出相当丰富的分支，诸如西海岸说唱乐(West Coast Rap)、南部说唱乐(Southern Rap)、流行说唱乐(Pop Rap)、老派说唱乐(Old Schold)、中西部说唱乐(Midwest Rap)、拉丁说唱(Latin Rap)、硬核说唱(Hardcore Rap)、黑帮说唱(Gangsta Rap)、外来说唱乐(Foreign Rap)、东海岸说唱乐(East Coast Rap)、过渡说唱乐(Crossover Rap)、喜剧说唱乐(Comedy Rap)、基督教说唱(Christian Rap)、另类说唱乐(Alternative Rap)等等，我们现在所谓的HIP-HOP正是由这些流派综合了当今流行元素而诞生的新词汇。尽管早在90年代初期就有人认为这种絮絮叨叨，满是脏话粗口，叛逆词语的音乐会很快消失，而事实上，在90年代末，随着一批新进的说唱乐手和以白人为主的说唱摇滚的风行，曾经被黑人抛弃的音乐又重新回到了流行音乐的前端，至少在新世纪的现在，这个风潮还不会消退
　　RAP是美国黑人音乐中的重要组成部分，是街头文化的主要基调，是世界流行音乐中的一块“黑色巧克力”。本文试图通过介绍几支美国当红RAP歌手/团体，让歌迷了解这些人的背景资料，找到自己喜欢的RAP明星。 首先，先简单的介绍一下关于Rap说唱乐的起源和发展过程

　　⒊ 摇滚乐 (又有点朋克的意思,不过比朋克舒服一点)

　　甲乙丙丁都有自己的答案，喜欢还是不喜欢？甲乙丙丁是面带微笑还是满脸愁容？算了，这里不讨论什么是摇滚，像一个初次涉猎别样世界的初哥，看一出叫做《摇滚校园》(School Of Rock)的电影，但我忍不住想这样问：你的启蒙是平克·弗罗依德(Pink Floyd)，齐柏林飞船(Led Zeppeln)，吉米·亨德里克斯(Jimi Hendrix)，披头士(The Beatles)，鲍伯·迪伦(Bob Dylan)，“猫王”艾尔维斯·普莱斯利(Elvis Presley)，迈克尔·杰克逊(Michael Jackson)，麦当娜(Madonna)，是否我们有共通的话题？是否我们还可以组一支摇滚BAND？

　　《摇滚校园》在并不复杂的情节里诱发我对于摇滚乐的片断记忆——早前红蓝两款的披头士唱片到底流落到谁的手里？一期又一期积攒下来的《音像世界》大概已经变成纸浆，写满了其它的文字？厚厚的两本《摇滚乐指南》有多长时间闲置在书架的一角？

　　但电影其实要告诉你：摇滚乐其实已经好平常，它早就是一个有条有理的产业——有音乐才华的人组成乐队——竖放的古典吉他横着摆就成了摇滚的利器，亲爱的大提琴瘦身后不就正好是贝司吗？钢琴手谈键盘当然是小菜一碟——活灵活现的喜剧电影从来就是要找到被嘲弄的对象，古典乐只好暂时委屈一下了，反正还有更多的大电影是需要你的。还有从属乐队的灯光、造型、服装……等着大家各尽其责，真正无所事事的几个还可以成为乐队的专属乐迷——那脸上写满稚气的小女孩认真地问：乐迷不就是要跟乐手上床吗？不不不，不甘心做普通乐迷的可爱女孩，因为能说会道的本事摇身一变成为乐队的经纪人——电影借着郁郁不得志的摇滚乐手杜威，在一所中产阶级的小学，将富人的孩子瞬间改装成“一条龙”运作的摇滚小班。

　　摇滚乐手杜威匿名为Mr.S，在教书育人的讲台前派发摇滚乐唱片的一幕真让人神往——看，那张《月之暗面》的唱片多少年后才在打口碟市场见到买下，千万不要指责他“毁人”的行径，在并不长的那些日子，他带去的并不是“要教会你”的莫大使命。随着这出喜剧流淌的，其实是一种暂时休息、欢度假期的可爱与轻松，与挑战制度无关，与因材施教无关，与理想信仰无关。

　　Mr.S站在讲台，对着那些可爱的孩子，说：用摇滚来服务社会。于是我们听到了一首孩子自己创作的摇滚歌曲，在成人世界莫名的痛苦、忧伤与疯狂的杂音里慢慢述说一点少年的烦恼心事，那一刻，音乐终究不是以某种特定的形式来表达心情，那就是一首歌！

　　以轻松欢快的电影告诉你摇滚是生活的一部分，亦是区别煞有介事吐血推荐摇滚的另一种方式。方法从来不是惟一的，Rock’n Roll.

　　⒋ 爵士乐(蓝调、灵魂乐)

　　20世纪的所谓“流行音乐”中影响最大的大概就是爵士乐了。关于它的起源，有种种不同的说法，其中一些说法近乎传奇。关于它的音乐形态，已经有了不计其数的专门研究。但是，我们仍然很难简单地答复一个最基本的问题，“什么是爵士乐？”曾有人问著名的爵士乐大师路易斯·阿姆斯特朗，“爵士乐究竟是什么？”，他回答说：“如果用语言来答复，你就一辈子也明白不了。”

　　爵士乐发源于美国的新奥尔良，这个城市曾是路易斯安那州的首府，位于密西西比河的入海口，在美国的历史上起过很重要的作用。路易斯安那州有几个主要的特点：1，气候温暖，盛产甘蔗和棉花；2，原来是法国的殖民地（路易斯安那LOUISIANA的意思就是“路易的地方”，1682年命名这个地方时，法国国王是路易十四），1803年美国政府用1500万美元从拿破仑手里买下来，但法语却没有随着政府的改变而消失；3，由于大种植园的需要，这里是黑奴最集中的地方，至今黑人占这个州人口的三分之一；4，因为战略地位十分重要，这里是兵家必争之地，法国、西班牙、英国和美国的军队都曾在这里苦苦争战，1861年美国南北战争期间，这里也是双方军队激烈交战的战场。正是这些特点使它成了爵士乐的摇篮。

　　在爵士乐的音乐成分中，有源于非洲的黑人音乐的节奏、有被简化了的教堂音乐的遗响、有从种植园里传出来的劳动歌曲、还有从当时的流行歌曲及其演唱风格中演化而来的表演技法。一般将新奥尔良的红灯区斯托里维尔（Storyville，直译为“故事城”）看作现代爵士乐的发源地，这里有许多黑人乐师，他们都是即兴演奏的行家，使用的往往是南北战争期间双方军队遗留下来的管乐器。1917年，斯托里维尔被警察封闭，于是这些黑人乐师纷纷到别的地方谋生，其中最集中、最有名的城市是芝加哥。不数年间，爵士乐就取代了雷格泰姆的地位，成为最热门的音乐。它原来只是在黑人中流行，此后却逐渐成为世界上最流行的舞曲，其狂热程度超过了过去最流行的圆舞曲和波尔卡。爵士乐的风格还走进了交响乐、走进了音乐厅、走进了大学的课堂、成为一门正式课程。

　　关于“爵士”（jazz）这个词的起源有多种说法，比较可信的一种说法是源于法语词汇jaser。前面提到过，美国南方的这几个州的居民当时是说法语的，jaser的原意是七嘴八舌地闲聊、贫嘴；音乐是黑人奴隶的主要娱乐方式，他们凑在一起，用土造的乐器随意弹奏，唱着杂七杂八的歌曲，用手边的随便什么东西敲打着节奏，既没有大家都要遵循的记谱或是和声，也没有任何技术方面的限制，就像一群人聚在一起聊天一样，这正是jaser这个词的意思。其他的说法还有很多，比如，有人说是出自一个鼓手的名字，由于他能用激动人心的鼓点将音乐推向高潮，所以每逢观众想要更刺激的效果时便大声呼喊他的名字，久而久之，就成了这种音乐的名称；还有人认为，根据爵士乐在当时表演的场所（*院）和参与者（黑人奴隶）的文化背景分析，这个词是源自当地黑人土话中与性行为有关的词汇。这个字已知的第一次正式出现是在1914年，芝加哥的一个乐队起名为“老迪克西兰爵士乐队”，1917年胜利公司为该乐队录制的唱片即使用了“爵士乐”这个名称。

　　早期的爵士乐队的乐器有班卓琴、钢琴、小提琴、萨克斯管、简陋的铜管乐器和打击乐器。乐手们根本不用乐谱，全凭自己的记忆和想象来演奏。常见的情形是，先由钢琴弹出一段大家都知道的歌曲，其他的乐器则一个接一个地表演，歌曲的轮廓虽然没有改变，但是经过这样的即兴演奏之后，它已经被“爵士化”，变成了谁也没有听过的另一个东西。

　　也就是说，爵士乐最初并没有什么旋律特点，只是以没有乐谱的即兴演奏为主要特征；但是随着它日渐普及，乐师们发展出了更为新颖的旋律，这些旋律最早的来源主要是黑人田间歌曲、布鲁斯、灵歌、白人流行歌曲和民谣；而在节奏方面对爵士乐影响最大的因素，除了非洲、南美洲的一些舞曲之外，是“雷格泰姆”音乐。这些因素的具体特点，我们将在下面介绍。

　　刚才谈到，爵士乐的一大特点是即兴性，但是，同其他任何一种音乐形式一样，在获得了长期发展之后若是没有一种记录方法几乎是不可思议的。后来的爵士乐队是利用乐谱的，不过对乐谱的依赖程度不同，由此而形成“直爵士”（照谱演奏）和“甜爵士”（即兴演奏）的区别。不过要注意，这种名称十分混乱，经常只是流行于某一个时期的习惯说法而已。另外，即使是照着乐谱演奏，也有大量的即兴成分，比如说这样的记谱：

　　乐手们可能会奏成：

　　而这样的“常规”记谱：

　　演奏出来的效果会类似于：

　　一般地说，爵士乐都是二拍子的，每小节两拍或四拍。这种二拍子的节奏背景在低音部始终存在，使得爵士乐有一个稳定的、规律的节奏基础。在节奏性低音的上方，则是重音位置不规则的旋律、和声和对位声部，它们惯常使用的切分音效果与规律的低音声部之间形成了强烈的对比。

　　在爵士乐的曲调中，除了从欧洲传统音乐、白人的民谣和通俗歌曲中吸取的成分之外，最有个性的是“布鲁斯音阶”（关于这种音阶的结构，我们将在有关布鲁斯的部分专门介绍），而爵士乐的和声可以说是完全建立在传统和声的基础之上，只是更加自由地使用各种变化和弦，其中主要的与众不同之处，也是由布鲁斯和弦带来的。

　　爵士乐在使用的乐器和演奏方法上极有特色，完全不同于传统乐队。自“爵士乐时代”以来，萨克斯管成为销售量最大的乐器之一；长号能够奏出其他铜管乐器做不到的、滑稽的或是怪诞的滑音，因而在爵士乐队中大出风头；小号也是爵士乐手偏爱的乐器，这种乐器加上不同的弱音器所产生的新奇的音色以及最高音区的几个音几乎成了爵士乐独有的音色特征；钢琴、班卓琴、吉他以及后来出现的电吉他则以其打击式的有力音响和演奏和弦的能力而占据重要地位。相反，在传统乐队中最重要的弦乐器（小提琴、中提琴、大提琴）的地位相对次要一些；圆号的浓郁音色在管弦乐队中是很迷人的，但是对于爵士乐队来说，它的气质太温顺了，几乎无人使用。在管弦乐队中，每件乐器在音色和音量的控制上都尽量溶入整体的音响之中，在爵士乐队中却恰恰相反，乐手们竭力使每一件乐器都“站起来”。

　　乐队的编制很灵活，最基本的是两个部分——节奏组与旋律组。在早期的爵士乐队中，节奏组由低音号、班卓琴和鼓组成，后来，低音号和班卓琴逐渐被低音提琴（倍司）和吉他所取代，钢琴也加入进来。在30年代，兴起一种舞曲乐队，当时称为“大乐队”，它有三部分组成：节奏组、铜管组和木管组。节奏组使用的乐器仍然是低音提琴、吉他、钢琴和鼓；铜管组常见的编制是三支小号和两支长号，但这个数目并不固定；木管组通常由四五支萨克斯管组成，每个人都兼吹单簧管或是别的木管乐器，如果编制是五支萨克斯管，一般是两支中音、两支次中音、一支上低音。还有一种商业性的（有时也称为“甜美型”、“旅馆型”等等）的乐队，编制与“大乐队”差不多，但萨克斯管往往全部用次中音的，木管组会较多地使用其它的乐器（如长笛、双簧管），有时还加上三四个小提琴，在商品录音带中经常可以听到这类乐队的音响。

　　与传统音乐比较而言，爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色，无论是乐器还是人声，这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。如果我们有机会听到真正的黑人田间歌曲和灵歌，就会发现那些由粗嘎到圆滑、由窒闷到响亮、由刺耳到柔美、由野蛮到抒情的大幅度的变化是多么地富有特色、动人心魄。而在爵士乐中，更加入了非歌唱的吼声、高叫和呻吟，突出了这种感觉。除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段，在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。我们知道，所谓颤音是音高（有时也可能是力度）的有规律的变化造成的；比如小提琴上的揉弦，就是利用这种变化而产生富有生命力的音响效果。爵士乐中的颤音是有变化的，变化的方向一般是幅度由窄到宽，速度由慢到快，而且常常在一个音临近结束时增加抖动的幅度和速度，更加强了这种技巧的表现力。同时，在一个音开始时，爵士乐手们会从下向上滑到预定的音高，在结束时，又从原来的音高滑下来。所有这些变化都是无法用乐谱来详细记录的，有经验的爵士乐手都熟练地掌握了这一类的方法、尤其是这种观念，他们可以根据不同的旋律或伴奏音型将这些效果“制造”出来。因此可以这样说：由于即兴的传统和技巧的个人发挥，爵士乐是由作曲家和乐手共同创造的。受过传统教育的音乐家之所以很难表演爵士乐，就是因为他们没有培养出这样的特殊的音乐观念。如果我们细心地比较一下真正的民间歌手和受过正规训练的歌手演唱同一首民歌的差别，对此中的含义就会有一个更直观的概念。

　　从爵士乐诞生之初，它就吸引了众多的转业作曲家。1920年，美国指挥家保罗·怀特曼组织了一支著名的乐队，将改编的爵士乐作品带进了音乐厅。这种新潮流引起了许多“严肃”的爵士乐爱好者的激烈反对，然而，正是从这以后，爵士乐在美国和欧洲家喻户晓，受到广泛的欢迎。格什温的《蓝色狂想曲》在这时诞生，为这部作品配器的人就是怀特曼乐队的作曲家格罗菲。按照手稿上的记录，写这部作品只用了三个星期，演出后几乎是立即引起轰动。欧洲作曲家也有许多以爵士乐为基础或是受爵士乐影响的作品，例如：德彪西的钢琴曲《丑黑怪步态舞》（1908）、《游吟诗人》（1910）、《怪人拉维纳将军》（1910）；拉威尔的小提琴奏鸣曲中的慢乐章（布鲁斯）；斯特拉文斯基的《11件独奏乐器的雷格泰姆》（1919）、《士兵的故事》（1918）、《黑木协奏曲》；欣德米特的《室内乐第一号》（作品24，无调性）和钢琴组曲（1922）。

　　⒌ 乡村音乐(蓝草音乐、摇摆乐不是摇滚)

　　一、乡村音乐的诞生

　　乡村音乐（Country Music）出现于20世纪20年代，它来源于美国南方农业地区的民间音乐，最早受到英国传统民谣的影响而发展起来。最早的乡村音乐是传统的山区音乐（Hillbilly Music），它的曲调简单、节奏平稳，带有叙述性，与城市里的伤感流行歌曲不同的是，它带有较浓的乡土气息。山区音乐的歌词主要以家乡、失恋、流浪、宗教信仰为题材，演唱通常以独唱为主，有时也加入伴唱，伴奏乐器以提琴、班卓琴、吉他等（50年代中期以前，传统的乡村音乐乐队里没有鼓）为代表。演出场所主要在家里、教堂和乡村集市，有时也参加地区性巡回演出。它与大城市的文化生活相隔离，一直处于自我封闭状态。
　　20世纪20年代，有些电台为了迎合农村听众的口味，开始播放山区音乐，如芝加哥的"民族谷仓舞"（National Barn Dance）节目（1924），纳什维尔的"老式大剧院"（Grand old Opry）节目（1925）等，很受欢迎。这种做法鼓励了山区音乐的乐师去电台录音，也激发了唱片公司去各地发现人才、录制唱片。从此，山区音乐开始汇入美国流行音乐的主流，并涌现出最早的一批乡村歌手，如吉米·罗杰斯和"卡特家族"演唱组。
　　吉米·罗杰斯（Jimmie Rodgers，1897～1933）融合了布鲁斯、白人山区歌谣（Yodels）以及民谣（Folk）等多种音乐风格，被认为是乡村音乐的开创者，并冠以"乡村音乐之王"的称号。他的歌唱从容、悠然，并且发展了一种独特的、真假声来回转换的山区民间唱法："蓝色的约得尔唱法"（blue yodel）。虽然他一生饱受肺病的折磨，但是始终没有放弃过对乡村音乐的执著。从1929年，到1933年罗杰斯共录制了一百一十首歌曲，1933年5月26 日，在刚录完音的两天后正值盛年的吉米·罗杰斯因病情恶化而去世。
　　"卡特家族"（The Carter family，由Alvin Carter，1891～1960，和他的妻子、弟媳妇三人组成）以一种安逸、谐和的曲风和着眼于家园、上帝和信仰等题材而赢得了听众的喜爱。对于像"卡特家族"这样的艺人，演唱只是一种业余的谋生方式。但是在乡村音乐的初始阶段，他们的确为乡村音乐的发展做出了巨大的贡献，同时也为早期乡村音乐留下了宝贵的录音资料。

　　二、西部摇摆

　　20世纪30年代，由于美国东南部经济的不景气，使得唱片销量急剧下降，乡村音乐只能通过大量的广播节目而维持它的听众。此时出现了一种现象，原来的演唱组逐渐被个人演唱所替代。如罗伊·阿卡夫（Roy Acuff）、简尼·奥崔（Gene Autry）等人成了这时的焦点人物。在这种背景下，来自德克萨斯的鲍勃·韦尔斯（Bob Wills）在乡村音乐中融入了大量的西部牛仔歌曲（一种来自乡间的浪漫情歌）和摇摆乐的成分，创造了一种类似"大乐队"阵容的西部摇摆（Westen Swing）风格。1933年，鲍勃·韦尔斯将这种集合了舞蹈节奏、提琴音色、大乐队阵容、爵士唱法和架子鼓、失真吉它的新型风格成功地推向了市场，从而使其获得了"西部摇摆之王"的称号。
　　三、 蓝草音乐

　　20世纪40年代，在肯塔基州的山区还出现了乡村音乐的另一个分支，叫蓝草音乐（Bluegrass Music）。它在乡村音乐的基础上，吸收了当地古老的玉米脱粒晚会上的班卓音乐和提琴音乐，以及南部山区的叙事歌曲等因素发展而成。
　　蓝草音乐的演唱一般都是多声部的，除主旋律声部外，往往还在上方用假声叠置一个和声声部，有时还在主旋律下方加上一两个低音声部。它的伴奏乐器以班卓琴和提琴而独具特色，有时还采用曼陀林、低音提琴等民间乐器，传统乡村音乐没有架子鼓的特点也在蓝草音乐中得到了保留。蓝草音乐的速度一般都比较快，每分钟160-330拍左右。
　　蓝草音乐在发展过程中受到爵士乐的影响，常在器乐段落中出现比较华丽的即兴独奏。70年代，当其他乡村音乐普遍采用电声乐器时，他们仍采用传统乐器演奏。著名的蓝草音乐家和乐队有：比尔·蒙鲁（Bill Monroe，1911～ ）领导的"蓝草男孩"（Bluegrass Boys）乐队、奥斯本兄弟（Osborne Brothers）、"约翰逊山脉男孩"（The Johnson Mountain Boys）、"纳什维尔蓝草乐队"（The Nashville Bluegrass Band）等。

　　四 、纳什维尔之声

　　20世纪50年代，纳什维尔成了乡村音乐的集中营，著名的乡村音乐家大部分都来自这里。因此，"纳什维尔之声"（Nashville Sound）也成了乡村音乐的代名词。
　　第二次世界大战以前，乡村音乐虽然已经得到了广泛的传播，但总的来说，它仍是一个地区性的乐种。由于战争的缘故加速了人口移动，使不同文化背景的人们有了更多的接触，特别是很多南方农村青年，移居到北部和东西部城市。于是，乡村音乐的影响进一步扩大，成为有全国影响的流行音乐形式，并被正式称为乡村音乐（在此之前乡村音乐一直没有具体的命名），有时也叫做乡村和西部音乐（Country and western music）。
　　很多乡村音乐家对于把乡村音乐带出南部或中西部都作出了贡献，其中贡献最大的是汉克·威廉姆斯。
　　汉克·威廉姆斯（Hank williams，1923～1953），1923年出生于亚拉巴马州。在风格上，他既不像东南部的和声风格，也不接近西部流行的西部摇摆风格，他创造了一种抑郁的但却坚定的唱法。汉克·威廉姆斯40年代在乡村音乐界的地位，就如同20年代的吉米·罗杰斯，甚至还要高。
　　威廉姆斯1946年开始出唱片，他推出了一系列冲击流行音乐市场的歌曲，如《相思布鲁斯》（Lovesick Blues）、《今晚不要流泪》（There will be no teardrops tonight）、《你的欺骗之心》（Your cheatin' heart）以及《你又赢了》（You win again）等，其中最有名的代表作品《什锦菜》（Jambalaya，例12）成了世界上家喻户晓的经典歌曲。威廉姆斯还在他的音乐中保留了一定的旧式宗教成分，制作了一些有力的传统福音歌曲。
　　1953年元旦，威廉姆斯由于吸毒过量死在他汽车的后座上。与他同时代的乡村歌手们几乎都受到了他的影响，他在乡村歌集中的作品也许比任何人都要多。
　　由于第二次世界大战结束以后，美国社会的繁荣使得乡村音乐得到了飞速发展。如：此时的"老式大剧院"广播节目拥有了一千万听众，"民族谷仓舞"节目也越来越受到人们的喜爱。"纳什维尔之声"也随即开始遍布全国。

　　⒍ 新世纪音乐(NEW AGE)

　　New Age Music----新世纪音乐，也有译作新纪元音乐的。关于她的起源众说纷纭，不过
　　有一点是肯定的，这种音乐形式的出现不会早于70年代。那时候出版的牛津音乐词典也没有
　　New Age这个条目。60年代末期，德国一些音乐家将电子合成器音响的概念融入原音演奏或
　　即兴表演方式，启迪了许多新进音乐家运用更多元的手法开拓新的领域。该时期的音乐己具
　　备了New Age的发展雏形。到了1973年，在旧金山一群素昧平生的音乐家在某个音乐节上相
　　会，这些人忽然发现虽然他们以前没交流过，可是互相之间的音乐却有很多共通之处。他们
　　的音乐都是从冥思和心灵作为出发点而创作的，这种类型不同于以前的任何一种音乐，他们
　　把这种非流行、非古典、具实验性质的乐风取名为New Age，它指的是一种“划时代、新世
　　纪的音乐”。90年代的今天，New Age音乐呈现出了更多样化的风貌。乐界已形成一股百家争
　　鸣、各拥其妙的新势力。正因如此，New Age不只是一个单纯界定乐风区别的名词，而是象
　　征着时代的演进、形而上精神内涵改良的世纪新风貌。
　　在这里还有个小典故，New Age 又指The Aquarian Age （宝瓶座时代），西方神秘学家
　　认为人类正进入宝瓶座时代，象征了人类将从物质的追求过渡到自己内心的探索，虽然在物
　　质方面人类有人种、肤色、语言、宗教信仰等等的不同，但人类的心灵深处都有一个共通点。
　　正因为这一点，所有人都是同宗同源的，平等的。正如Secret Garden的主创罗夫兰（Loveland）
　　所说：每个人的心中都有一座神秘园。你可以在这里寻求慰籍。当你一个人静下心来聆听《Song
　　From A Secret Garden》，就会知道此言不虚了。
　　New Age 音乐时常在我们的周围响起，现在越来越多的广告开始用New Age 作为背景
　　音乐；很多电视片也倾向于用新世纪作为自己的结尾曲；各大商场也发现，用新世纪代替原
　　先的流行音效果更好。如果再仔细寻找的话，就会发现原来这种音乐一直伴随着我们的成长，
　　小时候喜欢看赵忠祥解说的《动物世界》，而对这片子的开始曲总是念念不忘，直到长大了才
　　发现原来这就是正宗的新世纪，曲子名叫《Westay》，可以在《The Future Sound Of World》
　　这张专辑中找到。
　　粗听上去，新世纪音乐介于古典乐和轻音乐之间，但新世纪更富于变幻，因为她并不是
　　单指一个类别而是指一个范畴，她包括了几乎所有不同以往，象征着时代更替，诠释精神内
　　涵之改良的音乐。因此，你会发现能被称为新世纪的音乐是如此丰富，一切自然界的声音都
　　可能出现在音乐中，所有种类的乐器在此一视同仁，其中的人声更是丰富，从歌唱家到土著
　　乐手，一切都是那么自然。就一般而言，新世纪还是有其特点的：
　　其一，新世纪音乐很少有强烈的节奏（但ENIGMA的音乐却有很明显的节奏），这点同饶
　　舌和摇滚形成了鲜明的对比，后两者几乎通篇就是各种打击乐，除了节奏还是节奏。对于新
　　世纪而言，有了节奏就可能受限制。
　　其二，新世纪的旋律感常常很少。这点不同于流行乐，流行乐需要优美易记的旋律，以
　　便于让每个人都能唱。有时候听了好几遍某首新世纪乐曲，还是记不住她的旋律，这便是新
　　世纪赋予大家极大想像空间的原因了。
　　其三，新世纪音乐总是避免使用刺耳与急促的声音，因为这会增加音乐的压力，从而破
　　坏聆听者的感觉。
　　其四，新世纪音乐的基础是是合音与和谐音，她摒弃了爵士和摇滚的发声方式，因为这
　　会带来不和谐与不悦耳的感觉。

　　⒎ 古典流行乐

　　Classical Pop是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 The Beatles的 "Eleanorrigby"就是。澳洲乐队 Crowded House的一些作品也可列入此类。如果说 Classical Pop，则是指经典的流行曲。

　　⒏ 民歌

　　民歌(Folk)原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始 /古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌(Folk)，大都是指流行曲年代的民歌 (Folk)，所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手Woody Guthrie在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌 (Folk)的祖师。之后 Pete Seeger、The Weavers继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手