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抽象画怎么去欣赏

不知道怎么去欣赏抽象画

Answer 1

亲近抽象艺术——怎样欣赏抽象画12008-03-18 12:13抽象艺术的概念
　　非理性的纯粹视觉形式。有三个内涵：
　　首先：绘画作品中不描绘、不表现现实世界的客观形象，也不反映现实生活；
　　其次：没有绘画主题，无逻辑推理和理性诠释，既不表达思想也不传递情绪；
　　第三：纯粹由颜色和点、线、面构成的视觉形式。
　　抽象艺术是非理性的，抽象艺术的纯粹形式将人类有史以来的理性排斥在外。这里的艺术非理性，只是说明抽象艺术表达的不是一个社会的、政治的、道德的道理，这种道理是人类社会用理性加以分析和总结的。而艺术不需要这种思想和道理，艺术就是艺术自己。
　　非理性的意义包含两个方面：一是心理学意义上人的本能和无意识；二是哲学意义上人的认识结构中的非逻辑的认识方式。
　　在艺术创作中的本能和无意识我们通常理解为那种没有事先构思好或者是在创作中自由发挥的创作方式。就是在创作中注重即兴创作和偶然性。
　　非逻辑的创作，就是无主题、无形象和无故事人物的，纯粹形式的创作。
　　历来的艺术都是有主题的，包括一些现代艺术、后现代艺术。艺术的主题从来不是为了艺术自己，往往是社会问题、道德问题、民族问题或者政治问题。这种主题让艺术成为工具。艺术不是工具，当艺术成为生命方式的时候，艺术是目的。
　　抽象艺术是唯一把自己当作自己的艺术。他没有庸俗的、无聊的、教条的、烦琐的思想，也没有强权的、自私的、指令的主题。它不需要任何现实的强加于它理念和形象，
　　它用完全属于自己的脸注册，不再需要看别人的眼色或者听别人的指令。抽象艺术不仅让创造者自由，更让审美者自由。
　　抽象艺术不需要思想（角度强调观点），不需要那些以现实的利益为驱动的各种思想。因为所有的思想的目的并不是为了思想。思想是人类生存的一种思维工具，思想不是生命的目的。人在受苦受难的时候，往往是思想的时候，是思想让人类变得复杂变得精明。而一切复杂和精明都是针对别人的，任何个体生命对自己都不需要复杂和精明。生命在享受的时候，往往是不思想的时候，思想是为了不思想。既然生命是这样认识思想的，艺术为什么非要有思想？没有思想的抽象艺术就是真正意义上的公正的、公平的、公开的艺术，它让人类接受它无私的给予和洗礼，它给人们的享受是阳光和空气般的慷慨。我们有见过有思想的阳光和空气吗。如果阳光和空气也有思想的话，我们还怎样裸露我们的身体和自由呼吸。思想是人类为了应付生存而被迫发生的思维过程，这种过程使得生命变得更加敏感和脆弱。而抽象艺术不想再接受它的羁绊，抽象艺术将直接面对生命本体，成为生命方式。
　　创造艺术就是创造阳光和空气。享受艺术就是享受阳光和空气。
　　我们要创造的抽象艺术是阳光的温暖和煦，是阳光折射时光晕的朦胧和感觉的直白，是阳光透过重重云雾仍然不改初衷的义无返顾，是阳光的芳香盖在你的肌肤上的那种渗透和舒展。
　　我们的抽象艺术还是空气般的灵动和悠扬，是空气的旷远和博大，是空气的无私和富有，是空气的慷慨和大方，是空气无处不在无时不在的虔诚和执著。也是空气什么也不争不想的姿态，是无须感激和思考的存在，是你可以忘记但绝对不可缺少的需要。
　　享受阳光和空气的时候，是生命最放松、最自在、最没有思想的时候，也是最幸福、最惬意的时候。抽象艺术，你还有什么可以怀疑的吗？
　　抽象艺术也不需要情绪（这是角度独创观点）。几乎所有的艺术样式尽管形式不同，但是都不否认艺术作品中情绪的重要性。甚至抽象艺术的鼻祖康定斯基也是明确的认为，他在表达自己的情绪。所有的过去的艺术家们都认为艺术是在表达情绪。
　　对具象艺术来说，通过理性来表达的情绪是可以通过画面来完成的。画家通过画面把自己的情绪表露出来。因为画家的情绪是理性的，或者是直白的，因此表现出来的画面也是简单的理性，情绪也是单元的。按照心理学的观点，情绪是人作为社会的人在生活的环境里受到了刺激所发生的情感波动，它带有强烈的指向性。在这时，情绪的产生的原因是清晰可辩的，是理性的，甚至是具体的。因为贫穷而情绪、因为不平等而情绪、因为压抑而情绪，情绪的物质性是十分突出。当情绪成为艺术的驱动力，艺术的情绪化并不能扩张艺术的内涵，而只能限制艺术的张力，让艺术成为情绪的累赘。
　　抽象艺术的本质是纯粹的视觉形式，你的个人情绪和这种形式的情绪并没有直接的关系。即使艺术家自以为是的情绪产生了作品，但是作品并不是情绪。当你的情绪在转化为颜色和形式的时候，已经变成了颜色和形式自己，而已不是你原有的情绪。你说你的情绪还保留在形式里，这只是你的一厢情愿或者是自作多情。
　　同时，作为无主题的抽象艺术，也不需要你用情绪来作为主题，因为对于那些看到你的作品的人来说，他们的欣赏的只是他们眼里的艺术，不是你心里的艺术，他们不必要也不可能来了解你创作时的心态，你的情绪和心态和他们也没有必然的联系。当作品从艺术家的手里完成以后，还不是真正意义上的完成，真正的完成必须在审美者那里。
　　审美者没有义务要接你的情绪的接力棒，他根本就不用在看一幅作品时考虑作者的情绪和想法，他完全由画面本身作出自己个人独立的审美价值判断，他在完成的艺术审美时，即使动用了情绪也是自己的，和作者的情绪无关。他以自己的个人的审美方式来最终完成他心目中的艺术。作者创造作品时的情绪，在作品完成时，已经和作品无关。
　　既然无关，那么作者的情绪还有什么用？看到这样的提问，肯定会有人觉得好笑，没有了创作的激情，那么怎样完成作品创作？答案已经出来了，我们创作作品时需要的是激情而不是情绪。作为一个职业的艺术家，是不需要情绪来制造画面的，他只需要形式和对形式的研究和理解，对形式的迷恋和游戏，形式会把更多的非理性的思想和情绪，把人的经验之外的时空，通过形式完美的呈现给你。
　　这些原因，足以说明艺术家在创造抽象艺术的时候，作品里的思想和情绪并不重要，重要的是让你的艺术产生自己的思想和情绪，而不是艺术家的。
　　事实上，当颜色离你而去，当图式独立存在，当画面自己展开的时候，你完成了你宣泄的过程，而它，已经成为不需要你的思想和你的情绪来照顾的作品，它已经有了自己的语言和形象。
　　思想和情绪，到作者为止，和作品无关，这就是抽象艺术的个性。
　　形式，形式，还是形式。形式至上，形式高于一切。每一个光顾形式的人，都能在形式里找到自己的回味，这种回味可以是单纯的也可以是复杂的，可有是情绪的也可以是理性的，那是他自己的，和作品无关。
　　抽象艺术是独立的，它独立的存在与作者和审美者之间。
　　形式就是意味。寻找不一样的形式，就有了不一样的意味。只有不一样的形式，没有一样的意味。抽象艺术更需要不一样的形式。
　　抽象艺术，无中生有，有中还无；莫名其妙，妙不可言！

抽象艺术的特征界定（人文的和自然的）
　　抽象艺术是20世纪初最早出现在欧洲的艺术形式，公认的开派代表人物是俄罗斯的康定斯基和荷兰的蒙德里安。康定斯基的抒情抽象被认为是“热抽象”，而蒙德里安的几何抽象被认为是“冷抽象”，从而形成了抽象艺术的两大流派，一直延续到今。
　　与抽象艺术相对应的是具象艺术。在一份艺术史的编年表上，我们可以看到这样的变化，在抽象艺术出现之前，一直是具象艺术的一统天下，抽象艺术出现之后，就是两统天下了。不管艺术发展的概念怎样变化，称号如何改变，从其艺术的本质来说，只有两大类的划分：抽象艺术和具象艺术。凡是有现实世界的客观形象的，不管是古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义，还是立体派、野兽派、达达主义、超现实主义、波普艺术、观念艺术、后现代主义、行为主义、摄象艺术等等，都是属于具象艺术范围的。这些艺术门类里，大多都是有主题的、有人类社会意识、政治观念的，有的主题清晰一些，有的模糊一些，有的单元主题，有的是复合主题，但是都是有主题、有逻辑推理在艺术方式中的，一律是具象艺术，或称为主题艺术。
　　抽象艺术是有着严格界定的，只有无形象、非理性、纯形式的绘画、雕塑和装置，才是真正意义上的抽象艺术。在整个艺术史上，只有抽象表现主义中没有形象和意象的那部分、抽象艺术、至上主义、光效应艺术、抽象的极多主义或极少主义、抽象的装置艺术等，属于抽象艺术范围。
　　还有一些介于两者之间，我们称之为半抽象。有时是画面上是有一点形象的或变形的，而题目又是抽象的。有的是画面是超现实的，尽管有具体的形象，但是时空是错位的，通感的，给人的理性判断是非常规的，而是特别的。这样的画似是而非，主题模糊，有抽象的意味，因此被纳入半抽象范围。
　　以上所说的是人文的抽象艺术的历史脉络。而自然的抽象是宇宙天生的，也是永恒的。
　　宇宙是抽象的，地球的内核是抽象的，细胞是抽象的，原子、中子、核子、质子是抽象的，基因是抽象的。还有大自然的许多细节是抽象的，石纹是抽象的、水纹是抽象的、光影是抽象的、泥泞是抽象的。世界的视觉本质是抽象的。即使有一天，地球毁灭了，人类消失了，所有的具象都烟飞云散，只有抽象还在。
　　抽象处处都存在，存在与我们的理性之外，存在于我们的忽略中，存在于陌生的领域‘存在与虚无飘渺中，存在与我们的理性之眼忽略的地方，存在于我们肉眼看不到看不见的地方。
　　抽象艺术，就是把自然界的抽象，把生命中的抽象，把人类想象中的抽象，通过艺术的方式表现出来。艺术，应该是把人的肉眼看不到，只有灵魂可以感应的画面呈现出来。
　　关键词组：只有抽象是永恒的。抽象艺术的起源和形成
　　抽象艺术是现代艺术的一部分，是和现代艺术一起发展和起步的。
　　现代艺术是在19世纪中期在欧洲起步，从印象主义开始。在西方艺术史教材里，被视为现代艺术划时代的作品是马奈1863年创作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派画家，印象主义的“印象”之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。
　　后印象主义的代表人物之一塞尚，是第一个把现代主义艺术从具象带往抽象形式的画家。塞尚对色彩的理解是现代画家中最精辟的。他认为，对于一个画家来说，只有色彩是真实的。一幅画首先是也应该是表现颜色。直至今日，当我把抽象艺术理解为颜色和形式的艺术时，才知道，颜色曾在印象派画家里，占据了多么重要的意义。他的“把自然还原为圆柱、圆锥与球体的三种基本形状”的认识，影响了立体派的诞生，从而促成抽象艺术的发展。塞尚是理论意义上的西方现代形式主义主流艺术的鼻祖，而被尊称为“现代艺术之父”。
　　从塞尚那里，抽象艺术有了理论和实践上的萌芽，立体主义的出现，让抽象艺术有了表现和施展拳脚的机会。最初抽象艺术和具象是混杂在一起的，也就是半抽象的。在画面上有一些形象，只是这些形象是通过几何体的方式变形表现的，还不是纯粹的抽象。即使是一些纯粹以几何体加颜色的方式来表现的绘画作品，也会用一些具象的符号，来表达某种象征的意味。立体主义的出现，大大缩短了迈向抽象艺术的步履，并且直接导致了抽象艺术两大流派的诞生。
　　立体主义的代表人物是毕加索。在塞尚几何分割画面的观念的影响下，1907年毕加索画了他著名的《亚威农少女》。立体派将透视散点化，用大小的几何形状镶拼，使画面的人和物几何立体化，使得绘画有了明显的抽象意味。但在立体派绘画里，大部分作品还是能够找到生活中的原形，题目也是具象的，即使是完全无形的立体派作品，也不是真正意义抽象作品，但是，是立体派的巨大影力，直接导致了几何抽象主义的产生。
　　荷兰艺术家蒙德里安1911年在巴黎接受了立体派的绘画观念，并且把立体派演化为具有自己鲜明特色的几何抽象画。蒙德里安认为，造型艺术表现为两种倾向：写实主义和抽象主义，前者是我们的审美情感的一种表现，这种审美情感是被自然和生活的外表形象唤起的。后者是一种色彩、形和空间的抽象表现，它是通过一种更抽象的手段表现出来的，而且常常是几何状的形和空间，起目的是创造一种新的真实。
　　康定斯基于1910创作的一幅取名为“即兴”的抽象绘画，被视为人类有史以来第一幅纯粹抽象的作品。这幅作品是完全无形的，不是象在这幅画以前，多少还有一点具象的痕迹或影子，抽象意味只是使得具象的东西简单和概括，最典型的例子就是毕加索的“牛”，从具象慢慢的抽离成几根线条构成的极其简洁的牛的象征。我们在习惯上也称这样的艺术方式为抽象艺术方式，把毕加索最后的一头牛称为抽象牛，但是和我们这里讨论的抽象还是有本质的区别的。真正的抽象是没有任何具象或象征的启示。
　　康定斯基在创作第一幅抽象作品的时候，不仅在实践上有了质的突破，而且还有理论上的重要的阐述。他在1912年发表的艺术专著《论艺术中的精神》，就提出了艺术应该是艺术家内心的主观感受，艺术应该从客观物象中解救出来。他还十分明确的提出：形式和色彩本身就能构成一种足以表达情绪的语言因素，如同音乐一样直接诉诸于心灵。艺术家的工作就是寻找形式和组织色彩，以完成表达艺术家的情绪和沟通审美者的作品。
　　康定斯基的早期抽象都是自由抽象，也被称为抒情抽象，特征是构成和色彩非常随意，常是即兴发挥，自由奔放。1921年以后，康定斯基从自由抽象转化为几何抽象，以精确的几何体和点、线、面构成绘画，并且在1926年出版了又一本抽象艺术专著《点、线、面》，从而确立了他作为抽象艺术之父的学术地位。
　　康定斯基对抽象艺术的贡献是巨大的，他的对形式的研究和实践，为后人开辟了广阔的道路，并且使得抽象艺术在短短的时间里，就席卷整个西方艺术界，成为100年以来生命力最顽强的艺术。 　　与康定斯基和蒙德里安一起，俄国人马列维奇创造了“至上主义”艺术。他们三个人被称为是抽象艺术的三驾马车。至上主义的最高境界就是“空”和“无”，空和无才是纯粹抽象的绝对存在，也是绘画的最高境界。最著名的画就是《白色背景上的黑色方块》（1913）和《白色背景上的白色方快》。马列维奇对抽象艺术的境界的理解是比较纯粹的，接近现在的对抽象艺术的观念。
　　抽象艺术是现代艺术的一部分，是和现代艺术一起发展和起步的。
　　现代艺术是在19世纪中期在欧洲起步，从印象主义开始。在西方艺术史教材里，被视为现代艺术划时代的作品是马奈1863年创作的《草地上的午餐》。莫奈是最具代表性的印象派画家，印象主义的“印象”之名，就是出自他1872年的作品《印象·日出》。
　　后印象主义的代表人物之一塞尚，是第一个把现代主义艺术从具象带往抽象形式的画家。塞尚对色彩的理解是现代画家中最精辟的。他认为，对于一个画家来说，只有色彩是真实的。一幅画首先是也应该是表现颜色。直至今日，当我把抽象艺术理解为颜色和形式的艺术时，才知道，颜色曾在印象派画家里，占据了多么重要的意义。他的“把自然还原为圆柱、圆锥与球体的三种基本形状”的认识，影响了立体派的诞生，从而促成抽象艺术的发展。塞尚是理论意义上的西方现代形式主义主流艺术的鼻祖，而被尊称为“现代艺术之父”。
　　从塞尚那里，抽象艺术有了理论和实践上的萌芽，立体主义的出现，让抽象艺术有了表现和施展拳脚的机会。最初抽象艺术和具象是混杂在一起的，也就是半抽象的。在画面上有一些形象，只是这些形象是通过几何体的方式变形表现的，还不是纯粹的抽象。即使是一些纯粹以几何体加颜色的方式来表现的绘画作品，也会用一些具象的符号，来表达某种象征的意味。立体主义的出现，大大缩短了迈向抽象艺术的步履，并且直接导致了抽象艺术两大流派的诞生。
　　立体主义的代表人物是毕加索。在塞尚几何分割画面的观念的影响下，1907年毕加索画了他著名的《亚威农少女》。立体派将透视散点化，用大小的几何形状镶拼，使画面的人和物几何立体化，使得绘画有了明显的抽象意味。但在立体派绘画里，大部分作品还是能够找到生活中的原形，题目也是具象的，即使是完全无形的立体派作品，也不是真正意义抽象作品，但是，是立体派的巨大影力，直接导致了几何抽象主义的产生。
　　荷兰艺术家蒙德里安1911年在巴黎接受了立体派的绘画观念，并且把立体派演化为具有自己鲜明特色的几何抽象画。蒙德里安认为，造型艺术表现为两种倾向：写实主义和抽象主义，前者是我们的审美情感的一种表现，这种审美情感是被自然和生活的外表形象唤起的。后者是一种色彩、形和空间的抽象表现，它是通过一种更抽象的手段表现出来的，而且常常是几何状的形和空间，起目的是创造一种新的真实。
　　康定斯基于1910创作的一幅取名为“即兴”的抽象绘画，被视为人类有史以来第一幅纯粹抽象的作品。这幅作品是完全无形的，不是象在这幅画以前，多少还有一点具象的痕迹或影子，抽象意味只是使得具象的东西简单和概括，最典型的例子就是毕加索的“牛”，从具象慢慢的抽离成几根线条构成的极其简洁的牛的象征。我们在习惯上也称这样的艺术方式为抽象艺术方式，把毕加索最后的一头牛称为抽象牛，但是和我们这里讨论的抽象还是有本质的区别的。真正的抽象是没有任何具象或象征的启示。
　　康定斯基在创作第一幅抽象作品的时候，不仅在实践上有了质的突破，而且还有理论上的重要的阐述。他在1912年发表的艺术专著《论艺术中的精神》，就提出了艺术应该是艺术家内心的主观感受，艺术应该从客观物象中解救出来。他还十分明确的提出：形式和色彩本身就能构成一种足以表达情绪的语言因素，如同音乐一样直接诉诸于心灵。艺术家的工作就是寻找形式和组织色彩，以完成表达艺术家的情绪和沟通审美者的作品。
　　康定斯基的早期抽象都是自由抽象，也被称为抒情抽象，特征是构成和色彩非常随意，常是即兴发挥，自由奔放。1921年以后，康定斯基从自由抽象转化为几何抽象，以精确的几何体和点、线、面构成绘画，并且在1926年出版了又一本抽象艺术专著《点、线、面》，从而确立了他作为抽象艺术之父的学术地位。
　　康定斯基对抽象艺术的贡献是巨大的，他的对形式的研究和实践，为后人开辟了广阔的道路，并且使得抽象艺术在短短的时间里，就席卷整个西方艺术界，成为100年以来生命力最顽强的艺术。
　　与康定斯基和蒙德里安一起，俄国人马列维奇创造了“至上主义”艺术。他们三个人被称为是抽象艺术的三驾马车。至上主义的最高境界就是“空”和“无”，空和无才是纯粹抽象的绝对存在，也是绘画的最高境界。最著名的画就是《白色背景上的黑色方块》（1913）和《白色背景上的白色方快》。马列维奇对抽象艺术的境界的理解是比较纯粹的，接近现在的对抽象艺术的观念。
亲近抽象艺术——怎样欣赏抽象画 32008-03-18 12:15抽象艺术的几种类型　　1.热抽象和冷抽象
　　2.理性抽象和非理性抽象
　　3.自由抽象和规则抽象
　　4.平面抽象和透视抽象
　　5.抒情抽象和几何抽象
　　热抽象和冷抽象的划分界线有两个角度，一是根据图式标准，二是根据色彩标准。
在图式上比较活泼、自由、随意、热情和富有动感、节奏感的抽象画，称之为热抽象。在图式上比较严谨、理性、冷静，有明显的图案规律的称之为冷抽象。
　　从颜色上来区分，颜色比较明亮、明快，保持着较强视觉冲击的为热抽象，而用冷色调，黑、灰、蓝调子的称为冷抽象。
　　热抽象也叫自由抽象和抒情抽象。冷抽象也叫规则抽象或者几何抽象。
　　热抽象的代表人物是俄罗斯的康定斯基，冷抽象的代表人物是荷兰的蒙德里安。
形式的意义一.形式是独立自主的。形式是独立的视觉存在，形式是不依赖社会思想和政治的自觉的存在，形式决定形式，形式影响审美意识。
二.形式是自由多变的。形式的自由体现在形式的无穷变化----形式的组合是无穷的，这让抽象艺术最大的资源
三.形式是轻松游戏的。形式是轻松和游戏的。形式是一种游戏，没有思想，没有歧视和偏见，没有情绪，没有骄横和失落。形式的游戏性让形式成为意义。
四.形式是永恒的。形式是宇宙的延伸，形式永恒。宇宙是最大的形式，是宏观的形式体现，宇宙让我们感到了神秘和新鲜，探索宇宙的奥秘成为人类生存的一种乐趣。抽象艺术是人类唯一能够融入宇宙创造的形式，也是宇宙唯一可以认可的延伸。
抽象艺术的价值标准　　抽象艺术由于多变和评判标准的不确定性，因此如何评介抽象艺术的价值，就成了一个比较困难的问题。事实上，现代艺术在他们诞生之初，都是不被认可甚至是遭到当时的主流艺术贬毁的。但是最终现代艺术得以流行，是和社会的文化和观念的发展联系一起的。
　　评介一幅作品的价值标准从严格的意义上来说，是模糊的，因为每一个人的价值标准不同。对作品的认知程度也不同。　　第一，原创，原创的意义是创新一种新的艺术图式，原创不是原作的意思，现在的很多人把原作当作原创是错误的，对古典主义来说，印象主义是原创，立体派是原创，野兽派是原创，超现实是原创，抽象画是原创。
　　同样的道理在一个派别里，原创的概念就是图式不同，或者题材不同、画风不同。抽象画里，康定斯集是原创，蒙德里安是原创、博洛克是原创，每一个人的画风不同，这种不同的距离越大，原创的形式就越纯，原创的价值就越高。　　第二，原创的作品还必须是唯美的，所谓的唯美是一种美学理念，就是一幅画须是美的，美的也就是能够给人的审美带来愉悦给生命带来呵护给未来带来祝福的艺术。美不是指一个单独的审美取向，而是关于艺术的本质。唯美不是为漂亮，。美是多种多样的美，美是平衡、是协调、是有形式的意味、是和谐、是独特。美有含蓄、奔放、热情、冷静、力量和粗犷之美。唯美，就是符合人性的生命性。
　　人性的唯美体现在人对生命的美好的向往。人的心理总是希望拥有一个健康的、幸福的、吉祥的、太平的人生，因此，人心总是愿意陶醉在小资情调和浪漫里，而不希望生命中早早就出现不愉快或者悲剧。事实上，生命的悲剧性是一个人人皆知事实，从来也不用谁来提醒。